Canonistas.com - Blogs http://www.canonistas.com/foros/blogs/ Comunidad de Fotógrafos con equipos Canon EOS, Canon Powershot y Canon IXUS es Wed, 08 Feb 2012 03:20:57 GMT vBulletin 15 http://www.canonistas.com/foros/images/misc/rss.jpg Canonistas.com - Blogs http://www.canonistas.com/foros/blogs/ Macro para t2i http://www.canonistas.com/foros/blogs/patriciasui/746-macro-t2i.html Thu, 02 Feb 2012 16:02:14 GMT Quiero me aconsejen sobre macro para Canon T2i.Gracias Quiero me aconsejen sobre macro para Canon T2i.Gracias ]]> Patriciasui http://www.canonistas.com/foros/blogs/patriciasui/746-macro-t2i.html Objetivos fijos http://www.canonistas.com/foros/blogs/degayon/745-objetivos-fijos.html Thu, 02 Feb 2012 13:25:25 GMT Los zooms son prácticos, pero los objetivos fijos son más luminosos y mejoran el resultado de la imagen captada. En una era de zooms con... Los zooms son prácticos, pero los objetivos fijos son más luminosos y mejoran el resultado de la imagen captada.


En una era de zooms con estabilizadores de imagen y D-SLR capaces de disparar con valores de ISO muy altos, los objetivos con una longitud focal fija pueden parecer cosa del pasado, sin embargo, siguen siendo útiles.








Existen infinidad de objetivos fijos, y los grandes angulares y los teles luminosos, tienen un costo muy elevado, pero hay opciones más asequibles, como el Canon 50mm 1.8, que mostramos en algunas de las fotografías de esta entrada, por un costo de unos 120 euros.La gran ventaja de los objetivos fijos es que tienen aperturas máximas más amplias, lo que permite trabajar con poca luz sin aumentar el ISO ni sufrir temblores . Aunque ahora existen muchas ópticas con estabilización de imagen que solucionan el tema de la falta de luz, poder contar con una apertura más amplia ayuda a reducir la profundidad de campo.


PROFUNDIDAD DE CAMPO


Al usar aperturas muy reducidas es normal que empeore la nitidez. Por otra parte, al limitar la profundidad de campo las zonas definidas resaltan más. Además, normalmente la falta de nitidez sólo afecta a los extremos del encuadre, así que si el área de enfoque está en el centro no tendrás problemas .







EXPLORA TU PUNTO DE VISTA


Los zoom son prácticos, pero tienen sus pegas. Cuando usas mucho el zoom, piensas menos en el punto de vista, porque te limitas a acercarte y alejarte haciendo un zoom. Con un objetivo fijo, la única manera de ajustar el encuadre o el tamaño de la escena es moverse, y así es como nacen las mejores composiciones .








CONSEJO


"Enfoca a los ojos", Cuando la profundidad de campo es muy reducida, es difícil enfocar bien. En el caso concreto de los retratos, lo fundamental es enfocar los ojos, y la manera más fácil de hacerlo es activar el AF sencillo y colocar el punto focal de la cámara justo encima de los ojos del protagonista.




]]> degayon http://www.canonistas.com/foros/blogs/degayon/745-objetivos-fijos.html Fotografiando auroras boreales http://www.canonistas.com/foros/blogs/juan55/744-fotografiando-auroras-boreales.html Sat, 14 Jan 2012 00:01:33 GMT . . Las auroras boreales o luces del norte (en inglés “northern lights”) son un fenómeno lumínico que se produce bajo determinadas condiciones en... .
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Las auroras boreales o luces del norte (en inglés “northern lights”) son un fenómeno lumínico que se produce bajo determinadas condiciones en el cielo nocturno -principalmente - del hemisferio norte. En el hemisferio sur se produce un fenómeno similar, pero se le denomina aurora austral. Ambos fenómenos se engloban con el nombre de auroras polares.

El nombre de auroras boreales proviene del nombre de la diosa romana del amanecer Aurora y de la palabra boreal, que significa norte en griego, en clara referencia al fenómeno geográfico.

Parece establecido que el origen de esta luminiscencia se debe al viento solar, íntimamente relacionado con la las fuertes erupciones de partículas procedentes del sol. Estas partículas viajan por el sistema solar y son atraídas por los campos magnéticos de la tierra a su paso por los polos de nuestro planeta. Cuando esas partículas cargadas (protones y electrones) son guiadas por el campo magnético de la Tierra, inciden en la atmósfera cerca de los polos, chocando con los átomos y moléculas de oxígeno y nitrógeno (los componentes más abundantes del aire). Parte de la energía de la colisión excita esos átomos que cuando se relajan devuelven esa energía en forma de luz visible de varios colores en nuestra ionosfera.

Las imágenes o fotos que estamos acostumbrados a ver no se corresponden fielmente con lo que ven nuestros ojos cuando presencias el fenómeno en directo, de hecho la palabra luminiscencia es posiblemente la que mejor lo describe. Al estar tomadas las fotos con varios segundos de exposición, la luminiscencia captada se integra mejor, potenciando la intensidad de la tenue luz que se observa en el firmamento nocturno y que se plasma en la fotografía. La foto de abajo muestra más o menos como se ve realmente una aurora boreal en directo.





De hecho al principio no eres capaz de detectar a simple vista la presencia de auroras boreales en la noche, sólo cuando el ojo se va acostumbrando y uno va cogiendo experiencia se da cuenta de la presencia de éstas mientras se están formando y van cogiendo fuerza.

De lo anteriormente descrito, ya se pueden obtener unas pautas para planificar la observación de las auroras boreales con cierto éxito:


  • Seleccionar los años de mayor actividad y de erupción solar.

  • Debemos escoger el entorno de la noche ártica, por tanto los mejores meses para observarlas son de octubre a marzo.

  • Deberemos ir a una ubicación geográfica lo mas al norte posible: Noruega, Finlandia, Groenlandia, Alaska, Rusia …

  • Que las condiciones climatológicas locales acompañen y que seamos capaces de tener/encontrar una ubicación con una ventana de cielo abierto sin nubes para poder observar el firmamento.

  • Como la luminiscencia de las auroras suele ser tenue, debemos seleccionar fechas, horas y ubicaciones donde la contaminación lumínica tanto por luces de ciudad, como por efecto lunar o del resplandor solar en el horizonte esté minimizado, porque si no sólo seríamos capaces de ver - con suerte- las auroras de gran intensidad.

  • Una vez encontrado un enclave adecuado, se debe evaluar si vale la pena quedarse en él y esperar a ver si aparecen auroras boreales o no. Para ello lo mejor es tirar una foto de cuando en cuando y comprobar si se ve actividad lumínica en el cielo que presuma se puedan formar auroras boreales. La foto siguiente es un ejemplo.





En este caso, la ubicación por la composición era buena, la presencia de luminiscencia verde en el horizonte era un signo de actividad lumínica que indica la presencia de auroras boreales … pero la ausencia de una ventana abierta al firmamento libre de nubes hizo que tuviéramos que cambiar de sitio al no despejar las nubes con el tiempo.

El fenómeno de la aurora boreal no es fenómeno estático, sino que es muy dinámico. La aurora boreal comienza a formarse en la ionosfera y no está quieta o estática durante el tiempo que dura, sino que fluctúa y cambia de forma constantemente en función del viento que exista en las capas altas de la atmosfera. Esto hace que el aspecto de la luminiscencia que aparece en el cielo sea difusa y que solo durante ciertos momentos se alinean en el cielo formando las hermosas figuras que todos deseamos ver y fotografiar.



Las imágenes de arriba fueron tomadas con un intervalo de apenas un minuto de diferencia entre ellas.


Teniendo en cuenta este aspecto, el equipo necesario para fotografiar las auroras boreales es básicamente el siguiente:


  • Una cámara digital con bajo ruido a alto ISO, típicamente se usará ISO 800. Cuanto mejor sea la cámara, mejores resultados obtendremos. Es recomendable- si se puede - usar cámaras dotadas de sensor FF que permitirán captar mayor campo visual y que tienen mejor comportamiento a ISO alto. Cámaras óptimas para este propósito serían como mínimo una Canon 5D o una Nikon 700, p. ej.
  • Un objetivo gran angular rápido (diafragma f/2,8 al menos), preferiblemente en el rango de 14 a 17 mm. Puede ser una óptica fija o un zoom de calidad.
  • Un trípode estable y contrastado, sólido. Con una rótula adecuada. El uso de L-Brackets como los usados en paisaje, facilita el cambio de posición de la cámara de paisaje a la de retrato sin necesidad de cambiar la posición del ajuste del trípode.
  • Disparador remoto por cable o por mando infrarrojo remoto, en su defecto usar el temporizador de la cámara.

Respecto a los parámetros de exposición para obtener fotos de las auroras boreales, básicamente éstos se reducen a los siguientes:


  • ISO 400-800
  • Diafragma abierto: f/2,8
  • Velocidad de disparo: Entre 10 sg y 20 sg máximo.

Estos parámetros vienen determinados por la luminiscencia ambiental y por tratar de evitar que se noten las trazas en las estrellas, es decir, que éstas salgan como puntos y no como pequeñas barras o trazas.


Respecto a la configuración de la cámara, lo mas aconsejable es trabajar así:


  • Modo Av (Prioridad al diafragma)
  • Enfoque manual al infinito
  • Modo de disparo en One Shot o disparo simple.
  • Activar el modo de reducción de ruido para largas exposiciones (realiza una segunda toma con obturador cerrado, lo que se conoce como “dark frame”, que se sustrae de la exposición tomada)
  • Activar el modo de reducción de ruido para altos ISO al valor que mejor resultado dé sin pérdida de nitidez, típicamente usar la posición Estandar.

Por último solo queda cuidar de los detalles de encuadre y composición: posicionar la cámara sobre el trípode en un sitio adecuado dónde se pueda captar también algo de información del entorno tal como una silueta de árboles, paisaje parcial de montañas, entorno nevado o un fiordo sobre cuya agua se refleje la aurora. Conviene si es posible equilibrar la luz de los objetos situados en primer plano para obtener un mejor resultado.


A continuación, para finalizar, unos ejemplos …










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Texto y fotografías: © Juan Zas Espinosa - 2012 ]]> Juan55 http://www.canonistas.com/foros/blogs/juan55/744-fotografiando-auroras-boreales.html 10 consejos para sesiones fotográficas con modelos noveles http://www.canonistas.com/foros/blogs/pere-larregula/742-10-consejos-sesiones-fotograficas-modelos-noveles.html Mon, 09 Jan 2012 13:17:38 GMT Ya hice hace tiempo un post sobre los intercambios... así que intentare aclarar más cosas en este... Lo más complejo de una sesión, es la gestión... Ya hice hace tiempo un post sobre los intercambios... así que intentare aclarar más cosas en este...

Lo más complejo de una sesión, es la gestión de modelos, y más aun si son noveles, así que intentare dar algunos “consejos” muy generales que os pueden ayudar a sobrellevarlo… aunque la mayoría son aplicables a cualquier sesión y son muy de sentido común... en los talleres lo vemos sobre la práctica, y es más fácil explicar por ejemplo que poses son adecuadas o como expresar de forma sencilla.

Antes de empezar debemos ser muy conscientes que hacer la primera sesión a una aspirante a modelo, puede condicionar su carrera… tanto por nuestra actitud y por lo tanto la imagen que generemos del fotógrafo, como por el tipo de fotografías que hagamos, así que hay que ser responsable y procurar ayudar en todo lo posible.

Hablare de modelos en femenino, pero evidentemente no están asociados al genero.

1) Antes de la sesión es muy recomendable hacer una reunión previa que permita romper el hielo y conocer al modelo en un ambiente distendido (preferiblemente evitar que sea el día de la sesión, aunque eso no siempre es posible). Es el momento ideal para poner en común las ideas que probablemente hemos comentado vía email o similar… y dejando claras las expectativas de ambos en la sesión. Evidentemente puede venir acompañada, tanto a la reunión como a la sesión, de hecho es recomendable para que se sienta segura. Si es posible lleva tu portfolio para que la modelo vea mejor tu trabajo y lo podáis comentar, eso suele dar más confianza.

2) Antes de empezar la sesión y con todo nuestro equipo preparado, haremos una pequeña charla sobre como vamos ha organizar la sesión, revisaremos el vestuario, hablaremos con la modelo conjuntamente con la maquilladora, peluquera y/o el estilista (repetiremos eso en cada cambio de vestuario para asegurar que todo esta en orden, e iremos dando pautas para el siguiente set mostrando si es necesario las fotos del previo). Tanto en esa charla como en la reunión previa, nos fijaremos mucho en las expresiones naturales del modelo, para posteriormente buscarlas en la sesión, eso nos asegurara que tendremos fotografías con expresiones propias. Si la modelo viene acompañada, procuraremos que este fuera de su línea visual, para evitar que condicione sus expresiones (que llegue a olvidarse), ya que suele ser más difícil gestionar a un modelo novel que además se siente observada por alguien cercano, por eso algunos fotógrafos prefieren no tener acompañantes o que al empezar la sesión salgan del estudio y regresen un rato después o hacia el final previsto de la sesión… si se queda, lo mejor es dejar claro al acompañante que es preferible que no intervenga en la sesión y que actúe como un mero espectador para no romper el ritmo.

3) Es preferible decir que no a una sesión por no llegar a un acuerdo, o porque no sea el perfil que buscamos, que hacerla a medias y que la modelo o nosotros pensemos que no quedaremos plenamente satisfechos. Además debemos recordar, que cuando hacemos una sesión de intercambio es de recibo salir ganando ambos (fotógrafo y modelo) o carecerá de sentido, por lo tanto, hay que explicar muy bien que esperamos de la sesión y que la modelo haga lo propio, así evitaremos que nadie se vea perjudicado o sienta que ha perdido el tiempo. Un intercambio es una responsabilidad, no la asumas si no pretendes sacar de ti lo mejor como fotógrafo, tengas el nivel que tengas (no generes falsas expectativas o a la larga te pasara factura).

4) Indistintamente del tipo de sesión (remunerada o de intercambio) el trabajo con modelos requiere de ciertas dotes de psicología y por supuesto buen hacer (eso que se suele llamar profesionalidad)… Así que hay que ser responsable y serio, preparar anticipadamente el equipo y tenerlo todo listo,… eso te dará confianza y se transmite esa seguridad al modelo. Una sesión no tiene que porque ser aburrida si eres serio y piensa que dependerá mucho de los primeros minutos y la charla previa, el como pueda ir la sesión, ya que puede condicionar la reacción del modelo durante la misma o bien que tarde demasiado en sentirse cómoda (y hasta que no este cómoda, las fotos probablemente tengan expresiones vacías), así que debemos ir poco a poco, sobretodo si somos demasiado extrovertidos o francos.

5) Una de las cosas más importantes a tener en cuenta en cualquier sesión es: respetar los espacios… si como suena y aunque parezca una tontería la modelo debe tener su espacio para sentirse segura y tranquila, así que, evitaremos las distancias cortas (la distancia ideal es que la modelo se da cuenta que ni estirando el brazo podemos tocarla). Debemos mantenerlo eso en todo momento y bajo ningún concepto tocaremos a la modelo por ningún motivo, ni para corregir su pose (ni rozarla), con lo que usaremos siempre indicaciones verbales o bien el espejo, que es la forma más sencilla, consiste en que nosotros realizamos el posado y la modelo nos copia como si se mirase a un espejo.

6) Suele ser complejo gestionar modelos en su primera sesión, los nervios juegan malas pasadas, así que deberemos plantear la sesión con más tiempo y tener muy claro que la primera media hora de la sesión (o más) será básicamente de toma de contacto y las fotografías resultantes no serán lo mejor de la sesión (cuanto más tiempo dediquemos a esta toma de contacto para generar un alto grado de empatía, mejor será el resultado final). Por lo tanto, deberemos planificar coherentemente el inicio, empezando por ejemplo con ropa de calle (tal y como venga a la sesión) y sin perder tiempo excesivo en maquillaje, ya que se sentirá más cómoda y además, empezar rápido romperá los nervios previos… el inconveniente es que eso mantendrá al modelo en una situación de espera (ya que tiene en la cabeza los estilismos que hemos comentado), así que tampoco debe prolongarse demasiado… dile que lo único que pretendes con esas fotos es ir viendo que luz es la más interesante, guiarla con las expresiones o posados… por ejemplo... e intenta que se relaje.

7) Lo ideal es empezar con fotografías de plano completo o medio (nunca con primeros planos), pensemos que la expresión facial es lo más difícil para la mayoría de modelos noveles y suelen verse mal siempre en sus primeros retratos de plano corto…, así que intentaremos que no las vea hasta que tengamos una “diferente”… en esta primera etapa tira de focales largas y procura estar lo más lejos posible de la modelo (pero que pueda oírte sin tener que gritar).

8) Una vez hemos roto el hielo y empieza a sentirse bien, deberemos entonces hacer hincapié en corregir algunos aspectos estéticos básicos del posado o la expresión, para que poco a poco, vaya tomando consciencia de ellos y por supuesto evitar en un principio todas aquellas poses complejas o forzadas (por norma, si no podemos hacer nosotros la pose, seguramente será forzada, así que descártala para empezar… las modelos no tienen por qué ser acróbatas). A partir de ese momento, es muy recomendable ir haciendo participe al modelo de lo que vamos haciendo, explicando la iluminación y el por qué la vamos cambiando, el porqué de cada pose y que cosas realzan de su atractivo, etc.., y en cada serie le iremos mostrando los resultados obtenidos sin recrearnos demasiado o estaremos influenciando su expresividad y posado con lo que ve en las fotografías.

9) No dejes de hablar, sobre cualquier cosa o explica lo que haces… piensa que debes generar un alto grado de empatía que permita que el modelo confíe en ti y tu criterio. Así que debes mantener a la modelo distraída de lo que es una sesión fotográfica hablando de temas triviales, pero al mismo tiempo guiándola en cada posado… lo ideal es plantear una historia para que se meta en el papel, sobretodo a nivel expresivo (no dejes nunca que pose a su “bola”, porque no sabrá que hacer, se pondrá nerviosa y repetirá sistemáticamente la misma pose)… es muy importante que la modelo, deje de pensar si lo hace bien o mal… así que anímala, para reforzar su confianza (pero nada de piropos, que no estamos para ligar)… y mucha paciencia… no hay que ponerse nervioso o impaciente si la modelo no entiende nuestras instrucciones al posar… pensemos que si no nos entiende, probablemente la culpa sea nuestra (si como suena…, no la sabemos guiar). Y sobretodo, no “vendas motos” en ningún momento, las modelos que empiezan agradecerán tu franqueza cuando hables de sus posibilidades como modelo, pero piensa que sus más allegados la han alentado a ello… o ella misma piensa que tiene muchas posibilidades… recuérdale que es muy difícil ser modelo profesional y mucho más vivir de ello en exclusiva, así que debe ir con calma para no meterse en problemas.

10) Y muy importante… Siempre, debemos hacer un acuerdo de cesión de derechos de imagen con el modelo y debe leerlo con calma antes del día de la sesión (por si quiere asesorarse). Si es un intercambio, debe aparecer en él, cuando entregaremos las fotografías y como serán estas (indicando el número de fotografías que entregaremos, resolución y el soporte)... recordemos que un intercambio es un compromiso mutuo. Y atención, el acuerdo de cesión de derechos de imagen no es un formalismo innecesario, la legislación es clara al respecto y recordemos que si es a un menor, un tutor legal debe estar presente y firmar también el acuerdo (es recomendable tener testigos del acto, tanto de la firma como de la sesión).

Y un consejo extra, si es tu primera sesión evita hacerla con una modelo novel, dos novatos en una sesión es difícil que se ayuden en algo… es preferible hacer tu primera sesión con una modelo con experiencia y que esta sea remunerada (no añadas la presión de tu primera sesión a tener que entregar luego las fotos… no es nada recomendable, ya que puede condicionar tu futuro como fotógrafo e incluso para conseguir intercambios… piensa que no suelen ser buenas fotos y una modelo con experiencia es consciente de ello. Piensa además que las fotos si no son buenas, como mínimo, por parte de la modelo no será y tu te podrás centrar en mejorar tu técnica y aprenderás de tus errores).

Saludos ]]> Pere Larrègula http://www.canonistas.com/foros/blogs/pere-larregula/742-10-consejos-sesiones-fotograficas-modelos-noveles.html 10 Consejos para las aspirantes a modelo http://www.canonistas.com/foros/blogs/pere-larregula/741-10-consejos-aspirantes-modelo.html Sat, 07 Jan 2012 16:49:25 GMT Como cada día aparecen casos de fraudes o falsos fotógrafos que engañan a modelos o que tienen oscuras intenciones, se me ha ocurrido preparar una ... Como cada día aparecen casos de fraudes o falsos fotógrafos que engañan a modelos o que tienen oscuras intenciones, se me ha ocurrido preparar una lista rápida con 10 "consejos" para las aspirantes a modelo (espero que os sea útil):

  1. Siempre debes pedir o buscar referencias cuando un fotógrafo o agencia te plantee una oferta de colaboración o trabajo. Pide esas referencias a otras modelos que hayan colaborado o trabajado con el fotógrafo o la agencia si es necesario, mira su página WEB, o su perfil de agencia de fotógrafos (en algunas aparece si el fotógrafo esta o no certificado, es decir, si ha facilitado a la misma sus datos fiscales que lo acreditan como fotógrafo profesional... no es una garantía de seriedad y profesionalidad pero es un principio).
  2. Desconfía de los fotógrafos "profesionales" que no te pueden facilitar un teléfono fijo, su dirección o tienen cuentas gratuitas de email (hotmail, gmail, yahoo, etc…), ya que no puedes validar su propietario. O de aquellos que no te quieran emitir factura por sus servicios si los contratas para tu book.
  3. Establece siempre las condiciones de la sesión por escrito (ya sea con un contrato o con un acuerdo de cesión de derechos de imagen si es un intercambio). Siempre debe quedar muy claro el fin de la sesión y el uso final de las fotografías. El acuerdo debe incluir el nombre completo y el DNI del fotógrafo y de la modelo.
  4. Si eres menor de edad debes siempre ir acompañado por un tutor legal y este debe también firmar el acuerdo con las condiciones de la colaboración y estar presente durante la sesión.
  5. Si no conoces al fotógrafo o no tienes referencias, pero aun así te parece interesante su propuesta, acude a las sesiones acompañada, aunque luego tu acompañante no este presente durante la sesión (ya que puede ser un motivo de distracción para ti), pero que vea el lugar y al fotógrafo.
  6. Debes tener muy presente que dejar "colgado" a un fotógrafo o una agencia, concretando una sesión o casting (remunerada o no) y luego no presentándote a ella, puede echar por tierra tu futura carrera como modelo… se consecuente (si no lo tienes claro, simplemente no te comprometas).
  7. Si quieres un book usando como canal el TfP o TfCD (intercambios), asegúrate que lo realizas con buenos fotógrafos y evita que las fotografías alteren tu aspecto (o no te servirán como portfolio hasta que tengas en él trabajos comerciales)… un fotógrafo profesional debe tener muy claro que tipo de fotografías debe incluir un book para una agencia, y por supuesto no incluyen desnudos, semi desnudos o lencería, ni expresiones con marcado tono erótico.
  8. Debes dar el máximo en cada sesión, sea o no intercambio, ya que la opinión que tengan de ti los fotógrafos puede condicionar futuros trabajos (los fotógrafos profesionales también pedirán referencias sobre tu comportamiento y profesionalidad, al margen de revisar tu portfolio).
  9. Esfuérzate por aprender a posar y sobretodo a expresar (que es más difícil)… e intenta aprender cosas nuevas en todas las sesiones en las que participes… Cómo en cualquier trabajo la experiencia es muy importante y una cara guapa no lo es todo.
  10. Sé realista con tus posibilidades como modelo. Hay tipos de trabajo para los que se requieren unas características muy concretas, infórmate bien… aunque en otros no es así… intenta tener claras tus posibilidades y hacer tu book en consecuencia.

Seguro que pensándolo un poco más me aparecen más consejos… quizás escriba más sobre ello, un día de estos…

Saludos ]]> Pere Larrègula http://www.canonistas.com/foros/blogs/pere-larregula/741-10-consejos-aspirantes-modelo.html La velocidad de obturación para regular la luz ambiente en fotos con flash http://www.canonistas.com/foros/blogs/gooth/740-velocidad-de-obturacion-regular-luz-ambiente-fotos-flash.html Fri, 06 Jan 2012 11:10:36 GMT Cuando realizo trabajos de fotografía de interiores me gusta trabajar principalmente con luz ambiente para captar mejor la calidez del lugar, pero no... Cuando realizo trabajos de fotografía de interiores me gusta trabajar principalmente con luz ambiente para captar mejor la calidez del lugar, pero no siempre es posible trabajar sólo con luz ambiente, por lo que el flash se hace imprescindible. Es ahí cuando debemos decidir si el flash será la luz principal o bien que ésta sea una simple mejora con luz ambiente como luz principal.

En uno de mis últimos trabajos, precisamente para la empresa de un compañero del foro, hice una sencilla prueba para explicar en adelante en los cursos que imparto con Canonistas.

Veamos a continuación tres fotos de ejemplo (no trabajo final) que sirven para mostrar cómo afecta la velocidad de obturación en la captación de la luz ambiente al trabajar con flash.

Para quienes no lo sepan, cuando trabajamos con flash, la velocidad de obturación apenas influye en la cantidad de luz de flash que capta la cámara, pero sí es determinante en la cantidad de luz ambiente captada.

En los siguientes ejemplos veremos tres situaciones muy diferentes según los parámetros empleados y la fuente de luz elegida como principal. Las fotos están sin retocar para evitar perder su aspecto original y que la explicación tenga menos sentido.

En esta primera imagen, sólo se empleó luz natural, la que entraba por los amplios ventanales del salón. Ello implica que la luz es bastante natural y agradable, pero a cambio tenemos quemado el exterior.



Por otro lado vemos que las texturas y tonos del interior son muy reales, pero existen zonas en penumbra.

Para compensar esa penumbra decidimos usar un flash con un paraguas. El principal problema de iluminar este salón es que prácticamente en cualquier lugar va a salir el reflejo del flash. Dado que es para hacer esta prueba, tampoco me complico demasiado y lo dejo en donde menos se notaba el reflejo. En esta fotografía doy prioridad a la luz del flash.



La velocidad es 1/160, por lo que la luz ambiente tiene poca importancia en la foto. La luz fría del flash tiene mayor peso. Las texturas y sombras cambian radicalmente respecto a la anterior.

Como el resultado no es del todo satisfactorio, decido usar una obturación más lenta. Para que el exterior siga saliendo correctamente expuesto debo cerrar diafragma. La velocidad en este caso es de 1/50. Al efectuar estos cambios debo subir ligeramente la luz del flash, pero lo verdaderamente importante es que la luz ambiente va a volver a predominar, con la diferencia respecto a la primera foto de que ahora usamos el flash para rellenar ciertas zonas.



Podemos observar fácilmente cómo la luz cambia, las texturas y sombras también son diferentes, y es una imagen ligeramente más cálida que la anterior, en la que la luz blanca del flash tenía mayor presencia.

Por tanto, en fotografías de este tipo en las que tenemos una fuente de luz ambiente (bien sea luz natural o artificial) y una luz de flash, debemos tener claro la importancia que debe tener cada fuente de luz, y para ello jugaremos principalmente con la velocidad de obturación para ganar o perder luz ambiente, mientras que ISO y diafragma lo usaremos para que la foto quede correctamente expuesta, una vez ajustada la potencia del flash. ]]> gooth http://www.canonistas.com/foros/blogs/gooth/740-velocidad-de-obturacion-regular-luz-ambiente-fotos-flash.html Cómo combinar catálogos de Lightroom cuando trabajamos con varios ordenadores http://www.canonistas.com/foros/blogs/wamba/739-combinar-catalogos-de-lightroom-varios-ordenadores.html Thu, 05 Jan 2012 14:16:48 GMT Después de un parón en el blog, voy a retomarlo con la idea firme de escribir periódicamente, con una o dos entradas al mes por lo menos, tratando... Después de un parón en el blog, voy a retomarlo con la idea firme de escribir periódicamente, con una o dos entradas al mes por lo menos, tratando diferentes temas :grupo:

En este caso vamos a hablar de Lightroom y uno de los dilemas más comunes que nos plantea: A veces tenemos que trabajar en un ordenador portátil, porque estamos de vacaciones, o realizando un trabajo fuera de casa, y luego queremos incorporar las nuevas imágenes a nuestro catálogo principal, que está en otro ordenador. A primera vista puede parecer algo complicado, pero vais a ver que es muy sencillo de hacer.

Como Lightroom nos permite trabajar en portátiles, para empezar no deberíamos tener ningún problema (siempre y cuando el ordenador cumpla con los requisitos mínimos del sistema). Sí que es recomendable, para seguir el proceso que comentaré, mantener una estructura útil en las carpetas del portátil, que simplemente deberá ser igual que la que queremos tener en nuestro ordenador principal (recomiendo la estructura por fechas, aunque evidentemente cada uno puede utilizar la que le resulte más práctica).




En el momento que queramos incorporar las fotografías al catálogo principal, deberemos seleccionar, en el portátil, u ordenador donde tengamos las fotos a desplazar, todas las fotos que queremos mover, y acceder al menú Archivo>Exportar como catálogo.




Entonces se abrirá un menú donde podremos elegir la ubicación en la que se guardará el nuevo catálogo con las fotos que queremos trasladar (se recomienda un pendrive o disco duro externo), y tres opciones:
- Exportar sólo las fotografías seleccionadas (Lo activamos si es lo que queremos. Si no se activa, se exportarán todas las fotos que tengamos visibles en la biblioteca en ese momento)
- Exportar archivos de negativo (Deberemos tenerlo marcado para que se copien los originales de las fotos).
- Incluir previsualizaciones disponibles (Es recomendable activar esto para que también se guarden las previsualizaciones de los archivos, aunque no tan importante como la opción anterior).




Esto creará una carpeta con todos los archivos necesarios, de manera que conectaremos el pendrive o disco duro al ordenador principal, y mediante el menú Archivo>Importar del catálogo, elegiremos el catálogo que hemos creado desde el portátil y las fotografías se incorporarán directamente con todos sus cambios, palabras clave, atributos, etc.. Tal y como estaban en el otro ordenador. ¡Así de fácil!

Recomiendo hacer esto cada vez que trabajéis en ordenadores diferentes, porque si por norma lo dejáis para más adelante, al final tendréis un lío de archivos y no sabréis en qué ordenador tenéis cada cosa, de manera que es fácil confundirse y borrar una carpeta por error ;)

¡Ya podéis trabajar en cualquier lado sin miedo! :OK

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Una fotografía no se toma, se hace. Ansel Adams
Mi galería · Mi twitter · Mi Klout ]]> WAMBA http://www.canonistas.com/foros/blogs/wamba/739-combinar-catalogos-de-lightroom-varios-ordenadores.html La velocidad de obturación http://www.canonistas.com/foros/blogs/degayon/738-velocidad-de-obturacion.html Tue, 03 Jan 2012 13:12:09 GMT En esta entrada, vamos aprender que significa la velocidad de obturación, y sus distintos usos en el mundo de la fotografía, para poder usarla a... En esta entrada, vamos aprender que significa la velocidad de obturación, y sus distintos usos en el mundo de la fotografía, para poder usarla a nuestro favor , que cuando nos hablen de ella, no nos suene a "chino".-Lo primero que se nos viene a la cabeza , cuando nos hablan de velocidad de obturación por primera vez es ¿Qué es eso? ¡¡PARA11, pero nadie se suele parar a explicar que es en concreto, como mucho siempre te dicen "eso es la velocidad de la cámara , ya lo veras" . Bueno para todos aquellos que no se tuvieron a alguna persona que se parara con detenimiento a explicarlo, os lo voy a mostrar.-El concepto de obturación reside, en tapar o cerrar una abertura o conducto introduciendo o aplicando un cuerpo, es decir si , cogemos un tuvo de papel higiénico , y lo tapamos con un folio en uno de sus extremos , lo estaremos obturando.- Para entender este concepto , lo mejor es llevarlo a la practica, para que entendamos la velocidad de obturación, si cogemos dicho tubo de papel higiénico , y miramos por el a un objeto bastante iluminado , veremos la intensidad de luz de este objeto de forma muy elevada , si tapamos ahora el extremo con el folio, no veremos el objeto "lo que se diría , que uno tiene el obturador cerrado " si quitamos el folio unos dos segundos y volvemos a tapar, "diremos que hemos dejad un tiempo de exposición de dos segundos , " es decir, durante dos segundos a entrado luz a nuestro ojo, y por tanto hemos podido ver la imagen o el objeto iluminado , pero seguimos viendo lo muy iluminado, eso se debe en parte porque dos segundos es mucho tiempo "y nuestras pupilas que son nuestro obturador natural del ojo , siempre están abiertas " por lo que nuestra cámara cierra mucho más rápido, llegando a a velocidades superiores a la 1/2000 por segundo , dejando solo la entrada de luz a la cámara por ese instante, por lo que podemos parar una escena en el tiempo , pero eso si a costa de sacrificar la luz , pero no necesariamente .
-Existe una escala mundial de diafragma En la ESCALA DE OBTURACIÓN UNIVERSAL suelen aparecer al principio dos letras, B, inicial de Bulb (bulbo), para usar con disparador de cable; en esta posición el obturador permanece abierto tanto tiempo como apretemos el botón. En las escalas en que figura la letra T, el obturador se abre a la primera pulsación y se cierra a la segunda; resulta muy útil para las largas exposiciones nocturnas sin gastar pilas, aunque puede igualmente usarse la posición B con un cable provisto de tornillo de retención y los resultados son los mismos. En muchas de las nuevas cámaras este último sistema puede agotar las pilas.Una de las velocidades de obturación ( entre 1/60 y 1/250 ) suele figurar acompañada de la letra X, esto indica que esa velocidad es la máxima velocidad de sincronización con el flash, a partir de ahí si lo utilizamos, sólo aparecerá en la foto una banda de la escena.El resto de la escala de velocidades está formado por una serie de tiempos que se suceden duplicándose, con algunas aproximaciones, y es la siguiente:
.... 1", 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, ...
Si comparamos esta escala con la de diafragmas veremos que cada paso en ambas, equivale al doble del valor anterior y a la mitad del siguiente.VELOCIDAD:.....1"....1/2....1/4....1/8....1/15....1/30....1/60....1/125....1/250....1/500....1/1000DIAFRAGMA:....32.....22......16......11.......8.........5.6........4......2.8.........2........1.4............1Para un cierto valor de iluminación, todos los pares de combinaciones que aquí figuran, tienen un valor equivalente; y para cada nivel de luz, existen tanto pares de combinaciones diafragma-velocidad como admita nuestro equipo. La elección de uno u otro dependerá del tipo de escena a tratar.-Y para entender esta escala debemos saber que es el diafragma ,En una cámara, el mecanismo que controla el tiempo de exposición es el OBTURADOR y el que regula la intensidad de la luz se denomina DIAFRAGMA, que actúa estrechando el cono de luz que penetra por el objetivo.Actualmente se ha adoptado esta escala como standard de valores de luminosidad para cada una de las posiciones a que puede cerrarse el diafragma sea universal para todos los formatos y objetivos.
f/1 - f/1,4 - f/2 - f/2,8 - f/4 - f/5,6 - f/8 - f/11 - f/16 - f/22 - f/32 ....
Esta escala y la de tiempos prácticamente son las únicas que el fotógrafo debe memorizar; y es importante comprender desde el principio que cuanto más bajo sea el número f, mayor es su luminosidad y que cuanto más cerrado está el diafragma, mayor es su número f.
El diafragma tiene además de controlar la iluminación, otra importantísima función: graduar la profundidad de campo de la escena. Con estos conocimiento aplicados a la creatividad se pueden obtener diversos resultados ;-
Congelar la imagen. Conseguimos que todos los elementos de la fotografía estén estáticos, inmóviles. Puede ser un efecto interesante en fotografía de deporte (p.ej.: deportista en la ejecución de un movimiento), de naturaleza (p.ej.: el vuelo de un pájaro), etc. Se consigue con
velocidades altas
. Otro ejemplo es la siguiente foto:
Captar el movimiento: Algunos o todos los elementos de la foto no estan perfectamente definidos, dejan una estela a su paso. Da sensación de movimiento e incluso de velocidad. Se consigue con
velocidades bajas
.
-Otros ejemplos , serían pintar con la luz, fotografiar fuegos artificiales o dar un efecto fantasmal a las personas al aparecer en movimiento con tiempos lentos .
Espero con esto poder haber ayudado a resolver, algunas dudas, de quienes empiezan en este mundo tan gigantesco de la fotografía , y os ayude a poder captar instantes en el tiempo que sin vosotros serían perdidos.
]]> degayon http://www.canonistas.com/foros/blogs/degayon/738-velocidad-de-obturacion.html Publicidad, ese mal necesario http://www.canonistas.com/foros/blogs/vigape/737-publicidad-ese-mal-necesario.html Wed, 07 Dec 2011 13:03:27 GMT Hola Abro esta entrada como una vía de comunicación con los usuarios, como hemos hecho en otras ocasiones. Durante unas semanas y asesorados... Hola

Abro esta entrada como una vía de comunicación con los usuarios, como hemos hecho en otras ocasiones.

Durante unas semanas y asesorados por expertos de Google, se ha re-ubicado parte de la publicidad. El objetivo es con las mismas, e incluso menos posiciones de banner en algunos casos, aumentar el rendimiento sin aumentar la presión, algo que redundará en que podamos invertir más en canonistas para que sea más rápido, con más herramientas y por tanto mejor.

Antes mostrábamos 1 banner de 728x90 en la parte superior y 3 banner de 300x250 en la parte inferior, y luego, dependiendo de la sección podía haber alguno más, es decir un mínimo de 4 posiciones.
Ahora hemos repartido las 3 ubicaciones inferiores de una forma más lógica, siempre buscando que sea lo menos molesta posible para la lectura de la información, y buscando que en cada página se vean un máximo de 4 banners (Exceptuando patrocinios).
De hecho en algunas posiciones se ha logrado reducir el número de banners para la mayoría de usuarios, como por ejemplo al ver el listado de temas de un foro, donde ahora solo aparecen 3 posiciones, una superior, una justo antes del listado de post y otra al pié de página. O al leer un post, donde antes se veían 5 posiciones, ahora un usuario registrado solo ve 3 ó 4 como máximo.

Seguimos comprometidos con tener una publicidad de calidad, lo más relacionada posible con la fotografía, nuevas tecnologías y gadgets, así como de auto-promoción de canonistas, aunque no siempre es posible y es necesario rellenar con otras. Seguimos comprometidos en evitar las publicidades desplegables, las que 'flotan' en la página, las que cogen toda la página durante unos segundos (tipo periódicos), etc. algo ya muy habitual en muchos foros de envergadura.
También evitamos día a día, y con la colaboración de los usuarios que utilizan la herramienta de reporte (triángulo de peligro en cada post ), que canonistas se convierta en una jungla llena de comerciales de tiendas, fotolibros, fotoregalos, etc. que nos utilicen como plataforma para hacer su publicidad de forma gratuita y ensuciando el foro.

Esperamos que entendáis estos cambios, es cuestión de días acostumbrarse y comprender, que aunque a veces molesta, la publicidad es necesaria, y que con un solo clic al día hacemos mucho.

Gracias ]]> vigape http://www.canonistas.com/foros/blogs/vigape/737-publicidad-ese-mal-necesario.html FotoQuantum LightPro Flash Kit FQC-400LR/400LR http://www.canonistas.com/foros/blogs/iluminacion/736-fotoquantum-lightpro-flash-kit-fqc-400lr-400lr.html Fri, 02 Dec 2011 16:03:12 GMT
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FotoQuantum LightPro Flash Kit FQC-400LR/400LR + Tripodes + Softboxes + Disparador de Radio





Hoy presentamos un kit PRO de iluminación en estudio pensado para todo aquel fotógrafo profesional o aficionado que quiera iniciarse en la fotografía de estudio y quiera hacerse con un kit de calidad pero a un precio comedido.

El kit está compuesto de los siguientes materiales:
2 x Flash FotoQuantum LightPro Flash Kit FQC-400LR/400LR
2 x Softbox/ventana rectangular de 60x90 cm
1 x Disparador Radiofrecuencia autoalimentado.


Flash FotoQuantum LightPro Flash Kit FQC-400LR/400LR

Se trata de una cabeza de flash compacta de 400 vatios, que incluye lámpara de modelado de 150w equivalente a guía 70, y con una temperatura de color de 5600K (luz día).
Podemos utilizarlo desde máxima potencia hasta 1/32 de potencia y con una duración de flash de entre 1/800 - 1/2000s.
Al tratarse de una unidad de flash profesional, viene dotada de equipo de ventilación para evitar sobrecalentamientos.
El tiempo de recarga se sitúa entre los 0,8-1,8s.

La cabeza de flash está dotada de fotocélula de forma que pueda dispararse por simpatía al ser disparado otro flash.
Junto con el flash recibimos su pertinente reflector, la bombilla de 150w E27 para luz de modelado, tubo de flash de 400w, el cable de corriente de 4m y cable de sincronización.




Su panel de control es muy claro y sencillo a la vez que potente. Nos permite activar/desactivar el pitido de carga, la fotocélula esclava, ajustar la luz de modelado y la potencia de disparo, con la ayuda del display LCD en el que podemos ver todas las indicaciones.




Cabe destacar que este equipo es compatible con adaptadores para Bowens, lo que amplia el rango de accesorios, modificadores de luz, ventanas, etc., que podemos usar con estos flashes.









Trípode FotoQuantum FQLS-8008K

Con el kit se nos suministran 2 robustos, a la vez que ligeros, trípodes FotoQuantum con espiga de 5/8" capaz de alcanzar los 242,5 cm y capaz de soportar hasta 3KG en su enganche.
Tiene 3 secciones, lo que permite reducir su largo a 73cm una vez plegado, facilitando el transporte del material.

Softbox FotoQuantum FQSB-030

Cada unidad de flash viene con su propio reflector, pero el kit incluye también dos ventanas rectangulares de 60x90 cm lo que lo hace ideal para retratos, moda, belleza y producto pequeño. Cada uno viene con su propio difusor externo e interno.






Disparador FotoQuantum Radio Trigger FQS-604 AC

Todos conocemos la comodidad de trabajar en estudio sin cables de sincronización, por eso con el kit tenemos un disparador por radiofrecuencia, con un alcance de hasta 15m, adaptador de sincronización a 3.5mm y capaz de disparar varios sets debido a los canales disponibles.





Cabe destacar del receptor que no necesita baterías para alimentarse, sino que se alimenta por el propio cable de alimentación de la cabeza de flash. Hay que conectar el receptor al jack de sincronización y al de alimentación de la cabeza de flash, y el de alimentación del flash al receptor, de forma que se alimenta el receptor y a través de este el flash.

Conclusión
Un buen kit de estudio para aquellos fotógrafos que se inician y quieren flashes y ventanas a buen precio, pero de calidad. Cada una de sus partes tiene un plus positivo. También es una opción muy válida para todos aquellos que compraron en su día un kit de baja calidad y quieren mejorar su equipo para tener un rendimiento óptimo.
Los flashes, tienen una gran ventaja, que sea compatible con los accesorios de Bowens, ya que amplía mucho los accesorios, ventanas, etc., que podemos usar con el kit.
Los trípodes son muy robustos para su ligereza.
El set disparador/receptor tiene su plus en no necesitar alimentación por pilas el receptor, lo que no te dejará nunca tirado.
Las ventanas son de un tamaño y calidad buena, con lo que nos podremos iniciar fácilmente en la fotografía de estudio con una luz suave y homogénea.

Puedes ver el precio e información sobre este producto en prostudio360.es - FotoQuantum LightPro Flash Kit FQC-400LR/400LR + Tripodes + Softboxes + Disparador de Radio

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(1) Información suministrada en la web de prostudio360.es

Agradecimientos:


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Fotómetro Digiflash Gossen

Ventana Octogonal y Beauty Dish Walimex ]]> Iluminación http://www.canonistas.com/foros/blogs/iluminacion/736-fotoquantum-lightpro-flash-kit-fqc-400lr-400lr.html OmaÑa,tierra de dioses http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/735-omana-tierra-de-dioses.html Mon, 28 Nov 2011 15:32:42 GMT *Imagen: http://www.miradanatural.es/imagenes/editor/Revista/Omana/_IEB9815b.jpg Imagen:...

Sumario

En tiempos donde el estrés y la superpoblación de los núcleos urbanos son una triste realidad, en busca de un destino fotográfico que nos devuelva al sosiego y a encontrarnos con nosotros mismos. En este artículo os enseñamos una preciosa comarca situada en la parte sur de la cordillera cantábrica, en la montaña occidental leonesa al sur de la Laciana y próxima al parque natural de Somiedo.
De grandes valles apartados del mundanal ruido, robledales interminables y un magnífico río truchero de gran biodiversidad que le da nombre, Omaña es uno de los lugares donde aún podemos ver especies tan escasas como la nutria o el mirlo acuático,
Con unas cordilleras de un verde casi perpetuo, un otoño espectacular y duros inviernos leoneses de hasta 25º bajo cero en los días más fríos de febrero, hacen de esta comarca leonesa un destino obligado para el fotógrafo de paisaje y de ambientes rurales. Sin duda, éste quedará fascinado ante la desbordante naturaleza de cada uno de sus valles y la belleza de sus pueblos, donde el viajero parece remontarse unas cuantas décadas atrás, como si se nos hubiera parado el reloj, plasmando así motivos, costumbres y entornos que han permanecido imperturbables al paso del tiempo.

Sus gentes

La comarca de Omaña, por su situación montañosa, tiene muy duros inviernos y veranos no excesivamente calurosos. Este clima, se ve reflejado en la vida de sus gentes, los omañeses, son enamorados de su tierra y endurecidos por la vida montañesa, hasta tal punto que los romanos en su busca de minas de oro en esta zona, llamaron a los habitantes de Omaña, homus manium (hombres dioses) por su excepcional resistencia en el trabajo, hecho que contrasta con la amabilidad y el calor con que es recibido el visitante. Esta cualidad tan amigable de sus habitantes, será determinante para poder fotografiar escenas de trabajo, de interiores de caserones y poder fotografiar con total libertad y con la seguridad de que no importunamos a nadie. Por estas tierras la tertulia es obligada, siendo esta una de nuestras mejores bazas, para poder conocer y hacernos una idea de como afrontar nuestro reportaje. Cualquier pueblo de la comarca es bueno para visitar, cada uno tiene sus historias de trabajo y de vida rural en su máxima expresión, en cada uno encontraremos ese rincón que nos obligará a sacar la cámara. Quedaremos absortos ante la belleza de los tejados de Villanueva, los blasones antiguos tallados en piedra de Lariego de abajo o la gran cantidad de iglesias de un gran patrimonio cultural, el sonido de las madreñas repican en el empedrado de las calles de los pueblos o la sensación de encontrarse en un lugar remoto a sabiendas de que el lobo ronda en los montes cercanos como en Fasgar.

Sus paisajes

Sin duda,el paisaje es el gran atractivo para el visitante, Omaña, en cada una de sus estaciones nos dejará maravillado.

 La primavera: aunque en Omaña es algo tardía, cualquier rincón es bueno para visitar, el verde inunda la comarca y un viaje de dos días se nos antoja corto ante la desbordante exuberancia. La estrella son los bosques de ribera y los prados de pasto donde encontraremos gran cantidad de flora como las orquídeas, aguileñas, etc ..., las laderas desnudas por la acción ganadera se tiñen de amarillo y morado de las retamas y de la urz.
El verano: por las condiciones de montaña, la agostura y los pastos secos tardan en llegar, por lo que se puede considerar esta época como una pequeña segunda primavera. Sin duda, en los meses de agosto y principios de septiembre, las brañas y collados en unas cotas que superan, muchos de ellos, los 1400 metros de altura, son un gran atractivo, a la vez que podemos divisar y fotografiar toda la comarca desde las alturas. Es más que recomendable fotografiar un amanecer desde el Cueto de Rosales (1562 metros), uno de los mejores miradores y más accesibles de la zona.
El otoño: con numerosísimos valles tapizados por robles, algunos de ellos centenarios, y el abedular más occidental de Europa, son los objetivos para los que busquen rojos intensos, amarillos casi fosforitos y un conjunto exuberante rodeado de tímidos arroyos de montaña y tapices de múltiples tonos cálidos a modo de alfombra en el suelo. Otra opción, es volver a las cercanías del río Omaña y fotografiar los fresnos y chopos que adornan este bello río. La duración de esta época depende directamente de la cantidad de lluvias que caigan, ya que si son prolongadas, adelantan la caída de la hoja, pero no hay problema la naturaleza en esta tierra mima al fotógrafo y cuando parece que todo se acaba y viene el frío leones, las setas hacen su aparición con múltiples especies, el macro no parará de trabajar, boletus, macrolepiotas y amanitas se encuentra sin mucha dificultad.

El invierno; el general invierno es duro en la comarca y pronto a principio del mes de noviembre, ya nieva en las zonas altas, la estrella como no, es la nieve, no es raro que después de un día despejado, al día siguiente medio metro de nieve cubra Omaña, dando lugar a un paisaje nuevo y diferente que nos ofrecerá múltiples motivos para fotografiar, para ello si se visita en esta época del año, es muy recomendable tener precauciones con la cámara y con las baterías, ya que en los meses de enero a marzo no es difícil amanecer con temperaturas por debajo de los 10º bajo cero cubriendo los montes de escarcha y a pesar de las duras condiciones de trabajo, merecerá la pena el esfuerzo en pos del resultado.












Fauna

En una zona de una alta densidad de vegetación es complicado divisar especies grandes, pero no será difícil en nuestras rutas poder ver o por lo menos escuchar los ladridos de los corzos a primeras y últimas horas de la mañana, ver sobrevolar encima de nuestras cabezas especies como el águila real o el halcón peregrino o más pequeños y difíciles de ver en otras latitudes como el alcaudón dorsirrojo o la estrella de la avifauna de la cornisa cantábrica, el urogallo cantábrico.

 Lo abrupto de sus montes y sus desniveles, sirven de cobijo al lobo, gran enemigo en tiempos pasados de los ganaderos. Hoy en día, con la proliferación de ungulados como el jabalí, el número de ataques es escaso u ocasional.
La parte más occidental de la comarca, sirve de territorio de expansión del oso, proveniente del valle de Laciana y Somiedo. Por ello, y por todo este compendio de virtudes, desde el año 2005, la UNESCO declaró Reserva de la Biosfera a este paraje que en otros tiempos fue amenazado con un fantasma en forma de pantano.






Lugares imprescindibles


Cueto rosales: el punto más alto de la comarca , cualquier epoca es buena
La ribera del rio omaña (Riello): la esencia de el rio truchero, muy recomendabe en primavera y verano .
Ruta caminos de la trashumancia (Soto y Amio): camino ancestral rodeado de viejos robles.
Las fuentes del Omaña (Murias de Paredes): ruta hasta el nacimiento del rio que da nombre a la comarca.

Equipo fotografico:

Focales entre 15 y 200mm , que tampoco agobie y un trípode para las ultimas y las primeras horas seria mas que recomendable.
A tener en cuenta, si se decide venir en invierno, la temperatura es muy baja y los prados suelen estar inundados, por lo que preparar el equipo y a nosotros contra el frío y el agua seran claves






]]> liebana http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/735-omana-tierra-de-dioses.html !!!!!serengueti!!!! http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/734-serengueti.html Mon, 28 Nov 2011 10:17:35 GMT *SERENGUETI* Uno de los destinos soñados para muchos de los fotógrafos aficionados a la fauna, un paraíso que al igual que gran parte de ... SERENGUETI


Uno de los destinos soñados para muchos de los fotógrafos aficionados a la fauna, un paraíso que al igual que gran parte de África, te atrapa y antes de irte ya estas deseando volver.



El parque nacional del Serengueti, con una extensión de unos 14.000 km2 en los que predominan las llanuras y los pastos, aunque también existen zonas boscosas, sabanas y unos cuantos kopjes rocosos (pequeñas colinas semiesféricas en forma de cabeza, de donde procede el nombre) lugares preferidos de descanso de los predadores de la inmensa llanura.

Planificando el viaje

Sin duda, planificar un viaje de estas características requiere de una planificación previa y un apoyo logístico mínimo para poder asegurar el funcionamiento correcto de nuestro equipo fotográfico. Para ello buscamos uno de los operadores alternativos a las grandes agencias turísticas para realizar un safari a nuestra medida, con una importancia vital en la fotografía, donde el tiempo de búsqueda de la fauna y las sesiones con éstas, no alterará la apretada agenda e itinerarios de la gran mayoría de los tour operadores, ya que al formar un grupo específico de fotógrafos todos tendremos las mismas pretensiones y elegiremos fechas idóneas en función de lo que pretendamos fotografiar y en que zona.



8 días en el Serengueti

Desde la zona de conservación, a su entrada por el Ngorogoro, la inmensa llanura nos cautiva con miles y miles de ñus que se pierden hasta el horizonte. Es una de las imágenes que preferimos grabar en nuestra retina, ya que después de seis horas en el coche por tortuosos caminos desde la ciudad de Arusha, y con el coche equipado con víveres y material de acampada de siete personas para 8 días nos limita bastante.
Lo primero al llegar al parque, es bueno interesarse por los horarios de luz y los horarios de visita del parque, ya que, aunque durmamos en el corazón del Serengueti, no está permitido salir de las zonas de acampada en las horas carentes de luz. En esta latitud, el sol sale muy temprano sobre las seis de la mañana y se esconde sobre las seis de la tarde por lo que tenemos unas doce horas de luz por día, aprovechando al máximo las horas crepusculares para fotografiar especies en la sabana y especies descansando a la sombra de algún árbol en las horas centrales de luz.
El estar 8 días en un destino y más de esa extensión, nos obligará a realizar un briefing después de cada día para planificar los objetivos del día siguiente en función de los resultados obtenidos , ésto será clave para coordinar con el guía y el conductor los itinerarios a seguir.


Fotografiando desde el coche
Como no está permitido bajarse de nuestro vehículo en ningún tramo, a excepción de las áreas de picnic y las de acampado, la mayor parte de las fotografías se harán desde el coche. Éstos ya están adaptados para poder asomarnos por el techo abatible por donde sacaremos cuerpo y cámara para fotografiar, pero es conveniente traer o fabricarnos un bean bag (una bolsa de tela con judías o arroz para apoyar nuestra lente minimizando las vibraciones y fotografiar más cómodo).
Los vehículos, como norma general, suelen ser de seis plazas además del conductor y el guía, pero si nuestro viaje es eminentemente fotográfico, cuatro personas en un coche de seis será la mejor opción, así nos evitaremos fotografiar de manera incomoda y molestar a los otros compañeros de expedición.
Es más que recomendable el llevar agua en cantidad para no deshidratarse en nuestra actividad, a la vez de llevar un calzado cómodo, ya que para tomar gran parte de las fotografías, tendremos que pisar descalzos los asientos de los vehículos.


Fotografiando fauna salvaje en el Serengueti
Fotografiar especies de África, a priori puede resultar bastante sencillo, ya que gran parte de las especies están acostumbradas a una gran cantidad de turistas que cada año visitan el parque, pero a excepción de las conocidas cebras, ñus, leones, elefantes y algunas especies emblemáticas más, hay especies que tenerlas a tiro de nuestra lente nos resulta realmente complicado, bien por la espesura del pasto y la escasez de individuos (como el leopardo o el caracal) o bien por la desconfianza frente a los vehículos, como la mayoría de aves de gran porte.

Para ello, es conveniente especificar a nuestro guía y nuestro conductor, que no queremos recorrer grandes extensiones de terreno, como en la gran mayoría de operadores, sino centrarnos en algunos kilómetros cuadrados de una zona en concreto, batirla despacio y siempre atentos a lo que podamos llegar a ver. Una vez localizada la especie, hay que ser paciente y estar el tiempo necesario que los fotógrafos estimemos, sean minutos u horas en pos de alguna pauta de comportamiento que nos haga hacer una fotografía diferente, nuestra foto.

Otra cuestión importante, es la carga de baterías y más si nuestra estancia se realiza en acampada, aprovecharemos los momentos en que el vehículo del safari está en marcha para cargar baterías de la cámara. Estar pendiente de este factor es muy importante, a la vez que llevar baterías de sobra es casi obligatorio.
La tensión de la búsqueda constante y el desgaste de las horas de coche, hará mella en todos los compañeros y los guías, ya que se madruga mucho y no llega la hora de acostarnos preparando el equipo y limpiando el material para la sesión siguiente. Pero la motivación de encontrarse en uno de los lugares más bellos del planeta, es motivación más que de sobra para seguir trabajando duro hasta el final del safari.




Tres días buscando al chui

El leopardo junto a las pequeñas aves de la inmensa llanura, eran unos de los objetivos prioritarios del safari, los paseriformes eran una presa fácil, ya que acudían con asiduidad a las zonas de acampada, pero el chui (leopardo en swahili) por la época del año de mayo y las hierbas altas en gran parte del parque, se antojaba complicado obtener una imagen más allá de la típica encaramado en una acacia.

El lugar escogido para los briefings nocturnos, fue un tramo de unos 20 km. del río Seronera en pleno corazón del parque. Durante dos días completos, recorrimos una y otra vez este entorno, tomando fotos de otras especies, con la impaciente mirada puesta en las acacias para localizarlo. Sin querer hacer las típicas fotografías de esta especie, pero a la vez deseando no verlo en las horas centrales de luz, corría la tarde del tercer día y, como siempre, el guía iba con la primera velocidad del coche, para incluirse en la búsqueda del gran felino. Todos estábamos ya un poco desalentados, volvíamos una vez más a recorrer una pequeña senda con hierba alta en cada uno de sus márgenes, cuando de repente, delante de nosotros, como un fantasma, aparece el bello felino con paso lento y seguro. La luz ya estaba muy baja y el iso 200, una focal de 300 mm. y un diafragma f/2.8, se antojaban en el limite para obtener una fotografía buena. El chui comenzó a marcar el territorio acariciando con la cabeza una vieja acacia. Esa era la “foto” y ese era el momento, que después de tres días de búsqueda, habíamos encontrado. El nerviosismo y la excitación era palpable entre los miembros de la expedición, una perfecta coordinación de todos, apostados en el coche, casi sin respirar y haciendo trabajar a las máquinas a todo gas, mientras el ansiado leopardo seguía marcando. Es una de las mejores vivencias que un fotógrafo de fauna pueda tener en su vida.
]]> liebana http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/734-serengueti.html La Fotografía de Boda y los Objetivos ideales para realizarlas. http://www.canonistas.com/foros/blogs/ultimofotograma/733-fotografia-de-boda-y-objetivos-ideales-realizarlas.html Wed, 23 Nov 2011 10:11:30 GMT Antes de nada decir, que este es el primer post que pongo en canonistas, creo que es una opción que tenía olvidada y puede ser muy interesante, tanto...
Antes de nada decir, que este es el primer post que pongo en canonistas, creo que es una opción que tenía olvidada y puede ser muy interesante, tanto como compartir opiniones dentro de los post en diferentes hilos.

Llevo poco tiempo dentro de la Fotografía de Boda, pero este año, he tenido la oportunidad de experimentar muchísimo con el tema de diferentes configuraciones de ópticas para poder trabajar.

Para empezar tengo que decir que la mejor óptica para bodas y social, es aquella con la que más cómodos estemos nosotros. Vaya descubrimiento, no?!!! Pues la verdad es así de sencillo y simple.
Muchos de los que han seguido algunos de mis post, sabrán el baile de ópticas que he tenido. Intentaré ser breve, dificl, en mi experiencia.

Estuve mucho tiempo con un 50mm 1.2L, solo con esta optica, yo no era el responsable del resultado final, era cuando no me dedicaba a trabajar en bodas. Después me di cuenta que me hacía falta algo más angular y añadí al juego el 24 1.4 L I. Combinación fantástica si vas con 2 cuerpos claro. Te salva de todas las situaciones y tienes un resultado de calidad impresionante.
Luego, comencé a colaborar con un compañero, y me metió en la cabeza el tema zoom.... odio los zoom, pero tenia que reconocer que podia ser bastante practico, ya que solo contaba con un cuerpo en ese momento. Fuera los fijos, hola 24-70 2.8L. Resultado.... un fracaso total!!!! a 2.8 la nitidez y calidad del 24-70 2.8 de Canon es muy pobre, demasiado pobre. Pesa mucho, cuando llevas 12 horas, pesa más todavía.... además contaba con un 100 macro L Is .... bueno, con la versión anterior me hubiera ido igual, no es necesario para 2 veces que lo usas que sea macro IS, una tontería al comprarlo.

Decisión, todo fuera, a tomar viento !!!! si señor, ademas fue increible porque con el 24-70, revisando las fotos, casi todas se quedaban en 24, facil, es el fin del recorrido, pero en la parte intermedia, 35 y 50 aparecían un monton de veces, sin darme cuenta, mi visión se quedaba en esas distancias.... y el 70 apenas lo usé. Llego el momento de ir a por algo más de mi campo..... que hacer, despues de mucho mirar y pensar, como solo tenía un cuerpo, decidí aventurarme en el mundo del 35mm 1.4 L y un 85 1.2L II.

Pues bien, actualmente con ese 35 1.4L, podría pasar única y exclusivamente con él. Es una autentica maravilla, un todo terreno fantástico, el equilibrio perfecto entre el 24 y 50, con un poco de ambos.
Faltar, me falta un 24 1.4 L que volveré a tener, porque hay pisos y sitios pequeños, muy pequeños... que necesitan de un angular de verdad.
En cuanto al 85 1.2L II, no voy a explicar nada que no sepáis, es lento enfocando, si claro, lo es, pero bueno, no se puede tener todo, pero es una autentica maravilla!!! Es lo que hay, sacrificar algo por algo.

Pues nada espero os haya servido de ayuda a algunos y deciros que intentaré ir analizando cosas por aquí si veo que hay interés. Igualmente en mi blog personal seguiré poniendo cositas!!!
]]> Ultimofotograma http://www.canonistas.com/foros/blogs/ultimofotograma/733-fotografia-de-boda-y-objetivos-ideales-realizarlas.html Gapeando - Peso visual http://www.canonistas.com/foros/blogs/sarmale/731-gapeando-peso-visual.html Thu, 03 Nov 2011 22:41:05 GMT ---Cita--- Piensa en equilibrios, estáticos y dinámicos. Los estáticos generan harmonía, los dinámicos generan tensión. Imagina una imagen con dos...
Piensa en equilibrios, estáticos y dinámicos. Los estáticos generan harmonía, los dinámicos generan tensión. Imagina una imagen con dos elementos, uno muy grande y otro muy pequeño, si sitúas el grande en un punto fuerte, para equilibrar la escena necesitas llevarte el pequeño hacia un extremo. Este sería un caso de equilibrio dinámico, inicialmente el peso visual es para el elemento grande, para compensarlo, jugamos con la composición...

Pertur.
Ah. La composición. La mayoría de las veces pienso que, si yo supiera componer, si supiera llevar a la cámara la imagen que tengo en mi cabeza, que siempre es perfecta, todo lo perfecta que yo puedo imaginarla, sabría hacer fotos (mejores). O hacerlas, simplemente.

El peso visual. Cómo miramos.



Lo que más miramos es lo que más nos interesa. Ya hemos visto que la figura humana es lo que tendemos a mirar en una fotografía. Y, de esa figura humana, los ojos y la boca, seguramente, dice Michael Freeman, "porque ahí es de donde extraemos la mayoría de nuestra información para decidir cómo reaccionará alguien". Pero no es el único sujeto por el que la vista siente atención.




Imagen de James Nachtwey.



Otro es la escritura, que siempre ha tenido un valor informativo muy elevado. Los letreros centran nuestra atención y determinadas palabras, el significado de esas palabras, puede añadir un plus de interés. Incluso aunque la lengua sea desconocida para el espectador, la escritura sigue captando nuestra atención.

Además de los sujetos informativos, existe otra clase de sujetos atractiva para las emociones. Por ejemplo, la atracción sexual (imágenes eróticas y pornográficas), la ternura (cachorros de animales), el terror (escenas de catástrofes, muerte y violencia), la moda, objetos deseables... Pero las reacciones que estos objetos provocan depende de la sensibilidad hacia ellos del espectador.

No hay forma de equilibrar con precisión estos factores pero, a nivel intuitivo, es bastante fácil hacerlo siempre que se tenga claro cuáles son los distintos grados de atracción de una imagen. Hay que tener en cuenta también los elementos gráficos y los colores, que dirigen la atención de manera clara.

Factores que influyen en el peso visual.



:arrow: El tamaño.- Cuanto mayor es el tamaño, más peso visual tiene el objeto en una imagen.

:arrow: La posición.- La posición de más peso es la derecha respecto de la izquierda y la superior respecto de la inferior (gracias, Alfredo Oliva Delgado).

:arrow: El aislamiento.- En una composición con un grupo de elementos iguales, el de mayor peso es el que se encuentra aislado del grupo.

:arrow: Superficies con textura.- Las superficies texturadas tienen más capacidad de atraer nuestra atención que las que no tienen textura.

:arrow: La forma.- Las formas que más peso tienen son las más fáciles de reconocer: formas cerradas, geométricas y regulares.

:arrow: El color.- Los colores cálidos pesan más que los fríos. Los colores saturados pesan más que los no saturados. Los colores oscuros pesan más que los claros.

:arrow: El contraste.- Ante un fondo neutro, el color de más peso es el que ofrece mayor contraste. El contraste también puede ser de temperatura entre colores complementarios.


Percepción gestáltica.


La teoría moderna gestáltica propone un planteamiento holístico de la percepción: el todo es mayor que la suma de las partes. Al contemplar una escena, la mente da un salto: reconoce los objetos individuales, sí, pero también es capaz de darle un sentido, relacionándolos entre sí (trascendiéndolos). Su importancia en la fotografía reside en sus leyes de organización. La palabra Gestalt a menudo se traduce como "forma" en español, pero no tiene una traducción perfecta. Se refiere al modo en que los objetos se colocan o se perciben. Estas leyes gestálticas se esfuerzan en explicar cómo los elementos gráficos que intervienen en las fotografías (líneas, puntos, vectores, formas) se "completan" en nuestra mente.

Por ejemplo, aquí tenemos el Triángulo Kanizsa, diseñado por el italiano Gaetano Kanizsa. Son círculos cortados, pero nuestra mente ve un triángulo:




Leyes de la Gestalt




:arrow: Ley de proximidad.- Los elementos visuales se agrupan en la mente según la distancia que los separa.



Imagen de James Nachtwey.



:arrow: Ley de similitud.- Los elementos que son similares de algún modo por forma o contenido tienden a agruparse en la mente.



Imagen de James Nachtwey.




:arrow: Ley de cierre.- Los elementos agrupados grosso modo parecen completar un contorno. La mente busca lo completo (como en el triángulo anterior).



Imagen de James Nachtwey.




:arrow: Ley de simplicidad.- La mente busca explicaciones visuales sencillas. Prefiere líneas, curvas y formas simples. Tiende a buscar el equilibrio.



Imagen de James Nachtwey.






:arrow: Ley de destino común.- Se asume que los elementos agrupados se mueven juntos y se comportan como una unidad.



Imagen de James Nachtwey.




:arrow: Ley de continuación óptima.- Es similar a la anterior. Esta ley sostiene que la mente tiende a continuar formas y líneas más allá de sus puntos finales.



Imagen de James Nachtwey.




:arrow: Ley de segregación.- Para percibir una figura, ésta debe destacar de su entorno. Hay veces que la fotografía explora la incertidumbre del espectador que tiene que decidir qué es la figura y qué el fondo.




Imagen de James Nachtwey.






Bibliografía y enlaces.





El ojo del fotógrafo. Michael Freeman. Editorial Blume.

El peso visual.

Leyes de agrupación.

Leyes de la Gestalt.

Leyes de percepción. ]]> Sarmale http://www.canonistas.com/foros/blogs/sarmale/731-gapeando-peso-visual.html La Iluminación en Retrato (II) http://www.canonistas.com/foros/blogs/iluminacion/730-iluminacion-retrato-ii.html Thu, 03 Nov 2011 11:40:16 GMT En el anterior artículo vimos algunos ejemplos de retrato con reflectores pensados para moda y cosmética (aunque como es evidente se pueden utilizar... En el anterior artículo vimos algunos ejemplos de retrato con reflectores pensados para moda y cosmética (aunque como es evidente se pueden utilizar para otras cosas, claro)… Así que para este artículo he pensado que puede ser interesante ver cómo hacer retratos con una sola fuente de luz y lo más simple posible, con reflectores estándar (luz dura) y ventanas (luz difusa), que no quiere decir con ello que el resultado no sea interesante. Soy de la idea, que cuando empiezas, antes de utilizar una segunda fuente de luz es muy interesante intentar sacarle todo el partido posible a una sola (y hay muchísimas posibilidades), ya sea con la luz del Sol, el flash externo en cámara, con este separado de la misma o bien con un solo flash de estudio y una ventana sencilla (o sin).

La búsqueda del fondo blanco
Antes de empezar quitémonos algunas obsesiones… Para algunos fotógrafos es casi una obligación conseguir el fondo blanco perfecto en estudio… de ese blanco muy blanco, que parece que es imposible, de hecho sobreexpuesto… y que no existe realmente en ninguna situación… bueno, como se puede deducir de mis palabras, yo no soy muy partidario de esos fondos tan blancos, al margen de que en algunos casos generamos otros problemas al intentar hacerlo. El primero es que para conseguirlo se suele recurrir a iluminar el fondo por separado y con un paso más de intensidad que sobre la luz principal que ilumina al modelo, sin tener en cuenta que la luz rebotara en el mismo restando contraste a la escena, o lo que es peor, quemando como consecuencia el contorno del modelo por la suma de luces (la que rebota del fondo sumada a la que recibe el modelo y que confluye en los laterales), esto muy visible en el pelo. En segundo lugar porque para iluminar el fondo correctamente con dos fuentes, hay que tener en cuenta también la suma de luces producida por la luz principal, y que las fuentes de luz iluminaran de forma desigual el centro que los extremos, dando lugar a centros muy luminosos con un cierto “viñeteo” en las esquinas o todo lo contrario, laterales muy luminosos con un centro menos luminoso… Estos problemas son más evidentes cuando queremos hacer fotografías de cuerpo entero, para los planos de tres cuartos y cortos es mucho más fácil conseguir el efecto deseado… pero hay que ir con cuidado.

Así que nada de iluminar el fondo de momento… aprovecharemos la única fuente de luz para hacerlo todo… simplicidad.

Ley Inversa del cuadrado
Para entender cómo hacerlo y antes de seguir, haremos un repaso a la Ley Inversa del cuadrado de la distancia… ya que es un concepto imprescindible para trabajar con la luz. Es muy sencillo y procurare simplificarlo al máximo.

Para empezar, esta ley, nos dice que la intensidad de una fuente de luz puntual disminuye el cuadrado de la distancia que recorre con respecto a la fuente de luz y que esta, además iluminara un área mayor equivalente también al cuadrado de la distancia. Por ejemplo, si medimos una fuente de luz a 1m, y esta nos da una medición de f/8, si medimos la misma fuente de luz a 2m el resultado será f/4 (o lo que es lo mismo, 4 veces menos luz, el cuadrado de la distancia), pero además, la zona iluminada será 4 veces mayor a 2m que a 1m.

Así que… a jugar con la ley inversa…
Si queremos iluminar el fondo de forma uniforme y tenemos una sola fuente de luz, lo más simple es jugar con la ley inversa para darle al fondo la luz que más nos interese en cada caso. Pondré un esquema para explicar cómo nos afecta la ley inversa con un ejemplo práctico y que nos servirá para obtener el resultado que buscamos con una sola fuente de luz…



Nota: La distancia a la que se coloque el fotógrafo no afecta al resultado, ya que medimos la luz que cae sobre el modelo en cada caso y al modelo solo le afecta la distancia con respecto a la fuente de luz.

Como se puede ver los resultados son muy diferentes en el fondo:
A. Si usamos una fuente de luz puntual, como en el esquema, para el primer ejemplo tendremos un fondo casi negro. Cuanto mayor sea la distancia del modelo al fondo y menor de la fuente de luz al modelo, más oscuro será el fondo… incluso, totalmente negro. En este caso el fondo recibe 16 veces menos luz que el modelo, o lo que es lo mismo 4 pasos menos.
B. En este caso tenemos una distancia equivalente entre el fotógrafo y el modelo vs el fondo, lo que nos dará como resultado un fondo gris, más o menos neutro. El fondo recibe 4 veces menos luz que el modelo, o lo que es lo mismo 2 pasos menos.
C. Y por último, podemos obtener un fondo blanco… y será más blanco cuanto más lejos este la fuente de luz con respecto al modelo, en función de la distancia que este el modelo del fondo. Ahora, nunca será el fondo más blanco de lo que ya es de entrada, cosa que a mi modo de ver es como debe ser. El fondo recibe menos de 1/3 menos luz que el modelo en este caso.

Y eso es aplicable a cualquier color de fondo… y en el esquema se muestra cómo afecta una luz puntual… si la fuente de luz es de mayor tamaño, la caída de luz será mucho más lenta, con lo que tendremos con mayor facilidad un fondo blanco.

NOTA: Las fotografías que aparecen como ejemplos son ejercicios realizados en los Workshops de Iluminación en Estudio que imparto… con lo que son fotografías que carecen de retoques elaborados y en estos casos se pueden realizar con cualquier equipo de iluminación.


Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Profoto Octa 5


Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Zoom (Luz dura)


Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Zoom (Luz dura)

Nota: En este caso, y como es un ejercicio del Workshop de Iluminación, hay un segundo flash, como luz de efecto, con un reflector Zoom con un panel de abeja del 5 para dar un ligero toque de brillo al pelo, pero que no afecta al tono del fondo.

Como podemos tratar las sombras proyectadas en el fondo
Siguiendo con la premisa de la simplicidad, la mejor forma de evitar las sombras que proyecta el modelo con una sola fuente de luz, es que estas queden por detrás del modelo, vamos que no sean visibles en nuestro encuadre o bien hacer que la luz incida en el ángulo diferente al que realizaremos nuestro encuadre, con lo que, además de no ver la sombra proyectada obtendremos un degradado en el fondo, ya que veremos en él como la luz se va perdiendo hacia los extremos.


Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador portátil Profoto AccuteB2 con una cabeza de flash Profoto con un reflector estándar (Luz dura).

Nota: En este ejemplo es en una localización, unos billares que tienen un fondo poco interesante para que aparezca en un encuadre cerrado, así que opte por aislarlo dejándolo lo más oscuro posible, sin perder por eso el contorno del pelo. El ángulo del flash ofrece un ligero degradado que nos ayuda a separar a la modelo del fondo.

Mantener la sombra para dar sensación de suelo
Y luego está el ángulo… Lo primero que nos pasara si ponemos la fuente de luz muy plana o recta, es que esta ara que se proyecte la sombra justo detrás del modelo y esta será más o menos del mismo tamaño que el modelo. Puede ser interesante, pero si el modelo separa las piernas en planos completos nos encontraremos que las sombras son visibles entre ellas, limitando mucho nuestro encuadre, así que nos veremos obligados a encuadres de cómo máximo tres cuartos (por encima de la rodilla)… y muy rectos… vamos, que debemos tener claro que no podremos variar el ángulo de toma de la fotografía, o veremos la sombra del cuerpo paralela al modelo en nuestras fotos.

La solución más simple es hacer que la luz este picada, provocando dos cosas con ello, en primer lugar que la sombra sea más baja que el modelo, y que esta quede a sus pies, dando con ello sensación de suelo (que es muy interesante), o tendremos la sensación que el modelo está volando.


Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Hensel y una cabeza de flash Hensel con un reflector Octa y muy alejada.

Nota: Las sombras apenas son visibles ya que hemos utilizado una fuente de luz filtrada, una Softbox.

En el siguiente ejemplo podemos ver, para el mismo esquema que el anterior ejemplo, como la tela difusora suaviza las sombras hasta el punto de casi desaparecer… en este caso solo hemos quitado la tela difusora, y aparecen las sombras.


Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Hensel y una cabeza de flash Hensel con un reflector Octa y muy alejada.

Nota: Es la misma fuente de luz que el anterior ejemplo, y el mismo esquema, la diferencia es que para ver las sombras hemos quitado la tela difusora de la Softbox (o utilizamos solo una de las dos que incluyen, con lo que tendremos la luz algo más dura).

Pero picada, ¿cuánto?
Pues dependerá de la distancia que tengamos para hacer las fotografías (la potencia de los mismos) y el tamaño de la fuente, que nos obligara a subir más o menos la misma. Luego debemos tener en cuenta que el centro de las fuentes de luz son más intensas que los extremos (la distancia al motivo, no es la misma al picar la luz, vamos la distancia de la fuente de luz a la cabeza y a los pies), así que debemos tenerlo en cuenta y luego aprovecharlo en nuestro beneficio. Lo segundo es que la fuente podamos ponerla lo suficientemente lejos, como para tener la menor variación de luz posible con respecto al fondo (y en el modelo, exista además poca variación entre su cabeza y sus pies). Para estar seguros lo ideal es usar un flashimetro, más que ideal diría que imprescindible, ya que la percepción que tendremos mirando la pantalla de la cámara de la caída de luz es engañosa y difícil de ver… así que nada de prueba y error o no será precisa la iluminación que buscamos.

Al colocar la fuente partiremos de la premisa que la luz, en una superficie plana, rebota en el mismo ángulo en el que incide y que el blanco rebota la mayor parte de la luz que recibe, así que aprovecharemos la luz que rebota en el suelo que está delante de la modelo para igualar la iluminación, sobre todo si no tenemos distancia suficiente… (Cuanto más lejos y más grande sea la fuente será mucho más fácil (ley inversa)… y en cuanto a picarla, no más de 45 grados, o tendremos algunas sombras en la cara)… Y por último, el cómo sea la luz… si usamos luz dura tendremos sombras más oscuras, y si usamos luz suavizada o filtrada (usando ventanas – Softbox), tendremos unas sombras más suaves y difusas.

Y por último, aunque no tenga nada que ver con la iluminación… en los planos cortos aseguremos un enfoque preciso a los ojos… y si es posible evitemos las lentillas, o tendremos este efecto extraño en el iris.


** Publique este artículo en el nº3 de la Revista MirrorMagazine ** MIRRORMAGAZINE ]]> Iluminación http://www.canonistas.com/foros/blogs/iluminacion/730-iluminacion-retrato-ii.html Manejo sekonic L-358 http://www.canonistas.com/foros/blogs/mak_fotografia/729-manejo-sekonic-l-358.html Mon, 31 Oct 2011 09:58:19 GMT *Sekonic L-358* *Bloquear exposición: * modo + iso 1. *Borrar memoria:* modo + iso 2. *Compensación* iso 1 + iso 2 Memoria:
Sekonic L-358


Bloquear exposición: modo + iso 1.

Borrar memoria: modo + iso 2.

Compensación iso 1 + iso 2

Memoria:

AVE: Diferencia de brillo.

Ev: Promedio entre mediciones. ]]> mak_fotografia http://www.canonistas.com/foros/blogs/mak_fotografia/729-manejo-sekonic-l-358.html Tecnicas de control remoto http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/728-tecnicas-de-control-remoto.html Mon, 31 Oct 2011 08:35:08 GMT En muchas ocasiones no siempre podremos trabajar con las mejores condiciones, ya sea por la incomodidad de nuestra posición, por las pobres... En muchas ocasiones no siempre podremos trabajar con las mejores condiciones, ya sea por la incomodidad de nuestra posición, por las pobres condiciones de luz o por la negativa de nuestros modelos a aparecer en la fotografía con diferentes métodos. En este número aprenderemos a fotografiar con técnicas de control remoto para conseguir esas imágenes que se nos resisten.



En la fotografía de fauna salvaje, más que una cuestión de mm. y de focal, en la gran mayoría de las ocasiones se trata de una cuestión de metros, ya que un buen trabajo de adaptación y conocimiento de nuestro motivo a fotografiar, puede hacer que consigamos imágenes de ellos incluso con grandes angulares, algo totalmente impensable a priori para los profanos en esta materia.

Entendemos por fotografía de control remoto aquella en la que ya sea mediante radiofrecuencia o cables disparadores adaptados o no, accionamos el obturador de la cámara a distancia, sin necesidad de estar nosotros presentes en el momento del disparo. En función del tipo de control remoto podremos disparar a diferentes distancias.



El qué utilicemos dependerá mucho de nuestras necesidades. Si necesitamos accionar ésta a grandes distancias, entre veinte metros y varios kilómetros, utilizaremos claramente un disparador inalámbrico que suelen funcionar mediante radiofrecuencia y su tiempo de respuesta es bastante rápido. Puede ser de los existentes en el mercado o de los caseros en los que se suele utilizar un juego de walkies a modo de emisor y receptor. Éstos son ideales pare especies complicadas que no acptan fácilmente nuestra presencia.

Para cortas distancias, los más empleados son los cables remotos comercializados a los que se les corta por la mitad y se empalma un tramo de cable para conseguir más distancia de los cincuenta o sesenta centímetros que suelen traer de serie.

Técnica muy utlilizada en diferentes situaciones

Posaderos habituales: trabajar con especies en sus posaderos habituales o lugares donde se repita su presencia de manera continuada sera vital para asegural la captura de la imagen, ya que esta técnica con animales erráticos sería un fracaso casi seguro.



Recelo: sujetos que se resisten a la presencia del hide, es decir, cuando pretendemos fotografiar una especie concreta y ésta no admite la presencia del escondite. Gracias al control remoto podremos retiraros unos metros o incluso, si es de gran alcance, accionar la cámara desde la lejania.

Accesibilidad: cuando ya sea por la imposibilidad de colocar un hide en firme por lo accidentado del terreno o la vegetación o por la altura a la que tenemos que trabajar no es posible utilizar un hide, utilizaremos el control remoto para conseguir las imágenes deseadas.

Ópticas cortas y resultados diferentes: no siempre fotografiaremos fauna con grandes teleobjetivos, ya que aunque el sujeto tolere bien el hide y la cámara e incluso los disparos de flash, no podemos limitarnos a conseguir la imagen típica, ya que si no caeríamos en una colección de cromos de especies fotografiadas, cambiando únicamente posaderos y especies en las tomas, para ello, un buen periodo de adaptación de nuestro sujeto al equipo fotográfico mediante hide o simulacros de cámara, se culminará en la utilización de una óptica diferente como, por ejemplo, un gran angular, dando así una imagen totalmente diferente mostrando el habitat donde se desarrolla la acción.

Trabajando el control remoto

Un dato muy a tener en cuanta en los controles remotos es el tiempo de respuesta que pasa desde que accionamos el disparo remoto hasta que se realiza la foto, en otras situaciones no es tan determinante pero en fotografia de fauna es vital. Con un tiempo de repuesta si no ínfimo, inferior a medio segundo, puede ser la diferencia entre una toma con una pose buena y una sobresaliente, para ello y a pesar de obtener un disparador remoto de rápida respuesta, es más que conveniente puentear el cable que une el receptor y el cuerpo de cámara para conseguir que el fotómetro y el sistema AF de la cámara estén siempre activos y se sume así un poco más de rapidez en el tiempo de respuesta. Con la observación de que con esta adaptación, el cuerpo de la cámara estará midiendo la exposición constantemente con mayor pérdida de energia durante la sesión, por lo que conviene tener las baterías de la cámara bien cargadas antes de comenzar.

El encuadre lo realizaremos hacia el posadero, teniendo en cuenta el tamaño de lo que pretendamos fotografiar, por ejemplo, si pretendemos fotografiar un alcaudón del que sabemos cuales son sus posaderos habituales sobre un murete de piedra, seré conveniente documentarnos de cual es el tamaño aproximado del ave y aplicar esa media al encuadre para consegruir unos primeros resultados acordes con la escala del sujeto y mediante prueba error, ir acotando el encuadre a la manera de comportarse el lanius en el posadero.

El siguiente paso será ajustar el foco, para ello utilizaremos una profundidad de campo diferente en función de la lente y las condiciones de luz, siempre procurando que, en el caso de que utilicemos un teleobjetivo, consigamos enfocar el sujeto sin romper demasiado el fondo, buscando de esta manera un fondo homogéneo, para ello el F.8,13 será el recomendable en focales superiores a 300mm. En caso de utilizar un objetivo angular podremos cerrar el encuadre un poco más, y más si situamos muy cerca al sujeto para darle énfasis.

Para enfocar con garantias trabajando con el control remoto es casi imprescindible utilizar el enfoque manual, ya que si hemos adaptado el cable para que el AF y la medicion se puentee y esté siempre trabajando para conseguir una mayor velocidad de respuesta, éste estaría siempre trabajando, hecho totalemte innecesario ya que nosotros ya sabemos donde se posará el animal y podremos preenfocar su posadero con un preenfoque en modo manual, asegurando así que el AF no se vuelva loco con la llegada del sujeto al posadero.



La luz en una sesión de este tipo suele ser bastante cambiante ya que, por ejemplo, en un día despejado el sol irá moviendose, cambiandonos los valores óptimos para toma, por lo que el modo de medición podria ser un modo evaluativo que sopese toda la escena, dando algo más de prioridad sobre el punto de enfoque. Como norma general en la fotografia de fauana salvaje es muy posible que a pesar de ser posaderos habituales, dispongamos de pocos segundos para realizar la toma por lo que una observación constante desde un hide bien situado que nos permita ver bien el posadero y sus inmediaciones o, en su defecto, desde la lejanía con prismaticos será vital para mantener vigilado en todo momento este sector. En cuanto ya lo tengamos posado, si el animal no recela y se le ha hecho un trabajo previo, dispararemos con la mayor cadencia de disparos, en ráfagas o un poco más selectivamente buscando poses o incluso miradas a la cámara. Por el contrario, si éste es receloso, lo mejor será optar por un disparo en modo silencioso o en su defecto en el modo foto a foto para no alarmar a nuestro model. Aún asi, después de estas recomendaciones y tras mucho trabajo, veremos que no siempre tendran éxito estas sesiones por la impresibilidad del sujeto e incluso por presentarse invitados que no teníamos en cuenta y por su menor o mayor tamaño no dan bien en el encuadre y foco que teníamos previsto. Sin duda, la perseverancia será nuestra mejor arma en esta modadlidad fotografica.

Cables diparadores para paisaje y macrofotografía

Otros métodos, además del control remoto por radiofrecuencia, son la utilización del cable disparador o de los controles remoto de baja distancia, éstos son ideales para evitar trepidaciones indeseadas cuando trabajamos con velocidades bajas tanto con focales cortas como con teleobjetivos o bien cuando la postura del trípode ya es incomoda o no está del todo bien asentado y no queremos producir movimientos a la hora de apretar el botón de disparo de la cámara. Ademas de las largas exposiciones en donde sin el apoyo de este apendice seria imposible fotografiar



El disparo a distancia, sumado al levantamiento de espejo y el temporizador de nuestra cámara conseguimos que el cuerpo de cámara no vibre a la hora de disparar la cámara y que el espejo con un pulsado se levante generando cero vibraciones y con un segundo pulsado se active el obturador de ésta. Actualmente, muchos cuerpos de cámara al combinar el disparo remoto con el levantamiento de espejo y el temporizador, están programados de forma que con un solo pulsado se levante el espejo y a los pocos segundos se active el obturador de forma automática. ]]> liebana http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/728-tecnicas-de-control-remoto.html Los nuevos retos del fotoperiodismo http://www.canonistas.com/foros/blogs/jon64/727-nuevos-retos-del-fotoperiodismo.html Thu, 27 Oct 2011 15:30:01 GMT La fotografía, a través de su propia historia, ha ido amoldándose a los nuevos retos, tanto históricos como tecnológicos, que ha ido encontrando... La fotografía, a través de su propia historia, ha ido amoldándose a los nuevos

retos, tanto históricos como tecnológicos, que ha ido encontrando en su camino.
Dentro de toda la revolcuón que se ha creado con la llegada de la fotografía
digital, la crisis global que afecta a todos los sectores, la fotografía y todos los que
en ella trabajamos, hemos de encontrar fórmulas para adecuarnos a las nuevas
tecnologías y a las nuevas exigencias del mercado.
La formación ha sido siempre uno de los pilares más importantes; pero ahora
precisamente se ha de hacer incapié en esta faceta; el fotógrafo ha de buscar en
la calidad y en la profesionalidad, su tarjeta de presentación, dentro de un mundo
muy convulsionado, tanto por las nuevas tecnologías, como por la crisis de
identidad que padecen muchos fotógrafos.
La prensa escrita, desde hace muchos años, viene padeciendo dos crisis:
. Nuevos retos de los mercados.
. Crisis de modelo productivo.
Las fórmulas de supervivencia han dejado de estar vigentes; los modelos clásicos;
la prensa escrita en punto de venta, se ha visto desbordada con la aparición de
prensa gratuita y sobre todo con los periódicos on line. Los datos son
abrumadores: la publicidad (soporte básico para la supervivencia de los medios)
en inernet superará a finales de año a la prensa escrita; en el primer semestre del
año ha logrado una facturación de 431,95 millones de euros, lo que supone un
aumento de un 14,4%, respectivamente, la prensa escrita mantiene una cuota de
mercado del 16,8%, habiendo bajado en el primer semestre un 4,81%.


Evidentemente son datos, pero a ellos hemos de remitirnos, par evidenciar que el
futuro, a muy corto plazo, pasa por un cambio de modelo, de soporte, y de
público objetivo.
La fotografía, según algunos agoreros, tiene fecha de caducidad; no comparto este
principio, es precisamente ahora, es el momento de dar un salto cualitativo y
ofrecer un nuevo modelo de trabajo; como decía Víctor Hugo “el futuro tiene
muchos nombres. Para los débiles es lo inalcanzable. Para los temerosos, lo
desconocido. Para los valientes, la oportunidad”. ]]> Jon64 http://www.canonistas.com/foros/blogs/jon64/727-nuevos-retos-del-fotoperiodismo.html Tecnicas de camuflaje http://www.canonistas.com/foros/blogs/fotografia-de-naturaleza/726-tecnicas-de-camuflaje.html Wed, 19 Oct 2011 15:49:05 GMT *El hide, todos sus secretos, como trabajar a escasos metros de la fauna salvaje* *SUMARIO* * Para fotografiar un animal del tamaño... El hide, todos sus secretos, como trabajar a escasos metros de la fauna salvaje
SUMARIO


  • Para fotografiar un animal del tamaño de una perdiz con una focal de 500 mm., el fotógrafo para conseguir llenar el encuadre con ésta, tendrá que tenerla a unos cinco metros.
  • En poco más de un metro cuadrado, pasaremos unas doce horas procurando ser lo más silencioso posible y con la atención siempre puesta en lo que sucede en el exterior.
  • Un estudiado equipamiento en función de la situación hará más llevadera nuestra estancia en el hide.
  • El silencio en el hide será uno de nuestros mejores aliados en el hide, ya que así no alertaremos a la fauna salvaje.
  • Minimizar los movimientos de la lente es una clave para tener éxito en las sesiones de hide.
En un país donde la presión cinegética provoca un miedo innato de los animales al hombre, debido a la persecución de un gran número de especies, hace que la fauna salvaje sea bastante recelosa a dejarse fotografiar.
Muchas veces, es injustamente comparada la caza de carácter cinegético con la caza fotográfica, siendo totalmente diferentes, tanto en el lance como en el desenlace final. Un ejemplo, si nuestra intención es fotografiar una perdiz, mientras que un cazador con su escopeta puede abatirla con un poco de pericia a cuarenta metros, un fotógrafo con una focal de 500 mm. para fotografiarla a fotograma completo, la tendría que tener a apenas cinco metros, ¿cómo hacemos para acercarnos tanto?
En los siguientes dos capítulos explicaremos cómo acercarnos a la fauna o como hacer que ella se acerque a nosotros, qué materiales emplearemos o cómo debemos de comportarnos en la espera. Siempre con el máximo cuidado del ambiente en el que trabajamos y con el mayor respeto hacia los sujetos que fotografiamos, todo ello, con la esperanza de ayudar a todo fotógrafo iniciado en estas lides, abriendo así una etapa de nueva proyección fotográfica.

QUÉ ES UN HIDE

Hide, escondite, blind, chozo… llamado de múltiples maneras por los fotógrafos de naturaleza, se asemeja a una tienda de campaña, generalmente mimetizada, donde se realizan esperas. Tiene que estar colocado en un lugar estratégico y el fotógrafo introducido en él, camuflando así al fotógrafo y a su equipo, y permitiendo que la fauna sea menos recelosa al pasar por allí o al acudir a comer, bañarse etc..., pasando el fotógrafo desapercibido, en parte, para así llevar a cabo nuestro cometido, el fotografiar a la especie deseada.





EL HIDE Y SUS VARIACIONES

 Hay tantas clases de hides como situaciones podamos plantearnos y podamos imaginar, por lo que mencionaremos las clases más frecuentes a modo de orientación:
Hide convencional: de todas las disciplinas fotográficas en la naturaleza, y más concretamente en la de fauna salvaje, el equipo anexo al material fotográfico, adquiere una vital importancia y no debemos escatimar en éste, pues quizás, el hide sea tan importante como la cámara, el objetivo y el trípode.
De todos los tipos de hide, es el más utilizado para la mayoría de situaciones y es básicamente una tienda de campaña mimetizada.
Existen varias casas comerciales que los distribuyen en una gama de precios que oscila entre los 80 y los 400 euros. Éstos varían en función de los materiales y no debemos fiarnos de comprar un hide sólo por su precio atractivo, si no que debemos ser conscientes de nuestras necesidades y fijarnos en los materiales empleados para su construcción. De nada nos valdría comprar un hide que sea ligero y construido de un material liviano, si luego lo necesitamos para montar en una zona ventosa, no haría otra cosa que ahuyentar a nuestros motivos con las ráfagas de viento haciendo silbar al hide.



CÓMO HA DE SER NUESTRO HIDE

 Aunque parezca obvio, vamos a repasar qué propiedades ha de tener un hide a fin de ser eficaz en el medio.
Lo primero y fundamental, es aconsejable que sea de un color discreto con el medio, no necesariamente ha de ser un color mimetizado, quizás, con un verde oliva nos es suficiente y nos va a resultar muy adecuado si luego pretendemos taparlo con redes o con vegetación.

Seguidamente hay que comprobar que el material del que está formado sea totalmente opaco, ya que si fuera translucido, con el sol a la espalda proyectaríamos una silueta en el interior de éste, alertando a la fauna.
Tenemos que asegurarnos que la tronera o troneras (agujero por donde asomaremos los objetivos) sea lo bastante grande para que entre nuestra lente y que podamos moverla sin que se resienta todo el hide, pudiendo alarmar una vez más al sujeto en cuestión.
Si vamos a trabajar en zonas donde las precipitaciones son frecuentes, procuraremos que sea lo más impermeable posible y que con una cantidad elevada de agua o nieve no se nos hunda el techo, ya que no hay nada más desagradable que una sesión de doce horas de hide con goteras o con un techo que rozamos con la cabeza cada vez que nos incorporemos hacia la cámara, produciendo así ruido y movimiento no deseados.
Otra opción, si pretendemos economizar, es comprar nosotros la tela adecuada y hacer un armazón con varillas metálicas, siempre procurando tener en cuenta las premisas anteriormente citadas. Comprado o casero, ambos desarrollaran la misma función y han de tener los mismos requisitos si queremos tener éxito en nuestras jornadas fotográficas.





Hay múltiples variantes del hide convencional, éstas son algunas de ellas:

Hide a ras de suelo
Cuando queremos conseguir un punto de vista bajo o nuestros sujetos desarrollan su actividad en el suelo, y más si son de reducido tamaño, para evitar tomas picadas no nos queda más remedio que tumbarnos en el suelo y desde allí fotografiar.

Los mas utilizados son hides a modo de tubo, generalmente de fabricación casera a partir de una varillas de tiendas de campaña a las que le superponemos la tela en cuestión. Para estos hides es muy recomendable utilizar una esterilla o un aislante entre nuestro cuerpo y el suelo para restar humedades y hacer lo más llevadera posible la sesión, que por lo general, debido a una total incomodidad, no son demasiado largas, ya que la espalda, el cuello y los hombros suelen sufrir bastante al estar tanto tiempo en alerta y en una posición forzada.


Hide acuático
En humedales donde la movilidad constante de las especies que allí habitan y la lejanía con respecto a la orilla, hace que muchos fotógrafos utilicen un hide flotante. Así, nos acercaremos a la especie en cuestión y podremos fotografiarla en su entorno (véase recuadro).

El mayor peligro de este hide puede residir en que trabajamos en un medio especialmente hostil para el equipo fotográfico. Si decidimos trabajar con él debemos garantizar su flotabilidad y como mínimo, tanto la integridad de la cámara y del objetivo como de los anexos (tarjetas, baterías, aros de extensión, disco duro...). Para éstos, una pequeña bolsa estanca puede ahorrarnos más de un disgusto.
Evidentemente para fotografiar con un hide acuático (bautizado de mil maneras), es aconsejable estar provisto de un traje de neopreno para evitar pérdidas de calor al estar largos periodos de tiempo en el agua, además de unas aletas para facilitar una movilidad adecuada con él. Las imágenes resultantes serán, por lo general, atípicas, además de conseguir un punto de vista a ras de agua.

DÓNDE COLOCAR EL HIDE

 Ésta, probablemente, sea la pregunta más frecuentada por los fotógrafos que se inician en la fotografía de fauna salvaje, ya que una vez hecho el seguimiento de una especie y tras conseguir todo el material necesario, deciden montar en un lugar determinado y se equivocan de manera insistente, o cuando consiguen la confianza del sujeto, la luz es demasiado dura.
Debemos de tener en cuenta tres factores principales a la hora de colocarlo. El primero de todos es la orientación que debemos darle al hide. Muchos fotógrafos se colocarían sin dudar a la espalda del sol, pero cuando montamos un hide, un animal salvaje nos puede entrar a cualquier hora, ¿cómo lo montamos? ¿a la espalda del sol del amanecer o a la espalda del sol de las cuatro de la tarde?
Si hemos elegido un emplazamiento aparentemente correcto y si hacemos una sesión no demasiado larga, optaremos por colocar el hide con el sol a la espalda, pero si hemos decidido realizar una sesión de sol a sol, colocaremos el hide con una orientación intermedia entre los dos puntos (el sol del amanecer y el sol de las cuatro de la tarde), consiguiendo una luz semi-lateral tanto a primera hora, como a última hora el día, y una luz relativamente buena el resto del día.
En muchas situaciones, no basta con un hide para poder fotografiar fauna salvaje, en este número daremos unos consejos prácticos y cuestiones que se nos presentaran en futuras sesiones.



CÓMO CAMUFLAR UN HIDE
Ya hemos decidido qué tipo de hide utilizaremos y qué emplazamiento y orientación vamos a utilizar. Muchas veces, la presencia de un hide no es suficiente para ganarse la confianza de nuestro sujeto, ya que posiblemente si le está dando el sol puede ser bastante visible a decenas de metros. Para ello, reforzaremos éste con la utilización de redes miméticas diseñadas para tal fin o con vegetación colindante. A la hora de comprar las redes, nos aseguraremos que no emitan destellos y que su material sea lo más silencioso posible, ya que hay que recordar que estará fuera del hide y cualquiera de esos dos factores pueden arruinar nuestra jornada fotografica. Con respecto a la vegetación, es muy importante que si hemos decidido utilizar masa vegetal, en la medida de lo posible, cojeremos ramas caídas o de arbustos muertos. Si por la zona no nos que más remedio que utilizar masa vegetal verde, es de vital importancia que esas plantas que utilicemos no esten protegidas y que no posean algún grado de conservación, ya que si hacemos ésto, posiblemente hariamos más daño del que creemos al medio en el que habita el animal que pretendemos fotografiar.




UTILIZAR EL FLASH CON UN HIDE
 En muchas situaciones nos será inviable fotografiar con las condiciones ambientales o quizas esa luz, aun siendo suficiente, es demasiado dura y necesitaremos en ambas situaciones el apoyo de la luz artificial..Pero aquí se presenta un problema ¿dónde colocamos los flashes? dentro del hide o fuera, y si los colocamos fuera ¿de qué modo?
En el interior del hide, el espacio es de por si reducido y aunque a priori es lo lógico, es más aconsejable colocarlo en el exterior, ya que aparte de tener un cachivache menos con el que golpearnos o rozarnos en nuestra casa de un metro cuadrado, no anegaremos una de nuestras valiosas mirillas por las que observaremos el exterior.
Son muchas las opciones que tenemos para colocar los flash, podemos ponerlo en la parte superior del hide, en un trípode o encima de nuestro objetivo.
Colocarlo en la parte superior del hide, puede ser útil si nuestro sujeto es grande, ya que cubriremos un amplio rango. Pero si nuestro sujeto se encuentra a pocos metros del hide y su tamaño es reducido, al picar los flashes, es muy posible que produzca molestas sombras, además de ponerle unas 'antenas' al hide que romperán su efecto mimético.
Si lo que queremos es movilidad, no dudaremos en poner el flash en la punta del objetivo, pero seremos aun más precavidos en nuestros movimientos, ya que aumentará el volumen móvil y por tanto, la fauna puede recelar ante nuestro ingenio.
Quizás, el más recomendable sea el montar un par de flashes sobre una rama seca o una varilla clavada en el suelo, o en su defecto, un trípode. Es aconsejable utilizar como mínimo dos unidades de flash, ya que con una orientación buena podremos mitigar todo tipo de sombra y cubrir bastante rango con respecto a la parte frontal del hide. Quizás este método sea el más recomendado para iluminar bien al sujeto tanto para por poder regular la altura, como la dirección de éstos,
Cabe recordar que la utilización de iluminación artificial, requiere un periodo de adaptación por parte de los sujetos para que no recelen en absoluto de los destellos producidos por el flash.


EN EL INTERIOR DEL HIDE
EQUIPO RECOMENDABLE

El equipo variará en función de la época del año y del equipo del fotógrafo además de la especie que pretendemos fotografiar. Ésto quizás sea tan importante como el equipo fotográfico, ya que sin ellos seria bastante complicado realizar nuestra sesión.
Trípode: es la prolongación de nuestro equipo fotográfico, ha de ser estable y su rótula se debe de poder liberar con facilidad y apresarla de movimiento con una sola mano en el menor tiempo posible, ya que con la otra, estaremos sujetando la cámara, facilitándonos el trabajo a la hora de encararnos al sujeto.con la ropa, produzca el menor ruido posible.


  • Silla: ha de ser cómoda y resistente ya que pasaremos largos periodos de tiempo sentados. Para esperas largas es más que recomendable que posea un respaldo para que la espalda no sufra en la espera. Además debemos de asegurarnos que el tejido de la silla, al roce con la ropa, produzca el menor ruido posible.
  • Ropa de espera: ha de ser cómoda ante todo y en condiciones de bajas temperaturas que tenga un alto poder aislante, ya que a medida que pasan las horas de espera, la pérdida de calor cada vez será más notable (ver numero 132 “naturaleza bajo cero”).
  • Mochila: una vez transportado el equipo, la mochila en poco más de un metro cuadrado, se convierte en un armatoste ruidoso que siempre rozamos con las botas. Las cremalleras suenan como sirenas en el campo cuando las abrimos, por ello, es una opcion dejarla fuera del hide y esconderla en una zona próxima (un seto valdría).
  • Riñonera: si decidimos dejar fuera la mochila, una riñonera con las baterias, aros de extensión, tarjetas, multiplicadores... etc, será de gran utilidad, ya que ocupa menos que la mochila y la podemos dejar a un lado del hide sin que estorbe. También nos la podemos colocar en la cintura si el suelo está mojado o húmedo o simplemente si hemos montado en un rio.



CÓMO COMPORTARNOS EN UN HIDE

 Para la mayoria de la gente, el hide es poco más que la cámara de los horrores, un lugar donde no te puedes mover, tienes que estar siempre alerta y para colmo de males o hacer frio o hace calor. Un lugar donde no podemos hablar y encima si no tenemos al animal delante no podemos hacer fotos, ni siquiera se puede probar para medir la luz. Si debemos estar tanto tiempo metidos en el hide y no podemos hacer casi nada ¿cómo afrontaremos catorce horas de sesión?
La experiencia en estas lides y el conocimiento de la especie, nos dirá cuales son las horas en las que debemos permanecer más alerta y estar más pendientes de la aprición de nuestro sujeto. Mientras tanto, siempre que centremos nuestra atención en lo que pase ahí fuera, podemos entretenernos con algo de lectura ligera (que no nos absorba demasiado) o con cualquier otro pasatiempo que nos permita encaramarnos rápidamente hacia el equipo fotográfico y no perder una oportunizadad que quizas no volvamos a tener.






ALIMENTARSE

En las largas horas de espera, nuestro cuerpo nos demandará renovar la energía para su funcionamiento, tenemos que ser conscientes qué tipo de alimentos ingeriremos y qué cantidad. Si bebemos en exceso, nuestras ganas de orinar aumentaran y por supuesto no podemos salir del hide, por lo que un término medio, en función del clima, sería lo correcto, Una opción es la de ingerir barritas energéticas, ya que son de fácil absorción por nuestro organismo y nos aportan la energía necesaria para no pasar hambre. También es a tener en cuenta que el plástico o el papel de aluminio que envuelve nuestro alimento, al manipularlo hará bastante ruido.






EL DESGASTE Y LA MOTIVACIÓN

Al principio de la sesión fotográfica, no tenemos otra cosa en la cabeza que el de cómo fotografiaremos al animal en cuestión, pero con el paso de las horas, nuestra moral baja y empezamos a notar el cansancio, el hambre, el calor o el frÍo, y si le sumamos unas condiciones meteorológicas adversas y no hay movimiento aparente ese día, cabe la posibilidad de que nos preguntemos qué hacemos ahí en medio del monte, sentados en una silla en una tienda de campaña con la que está cayendo. Ahí es donde tenemos que tener la suficiente paciencia para aguantar ese momento crítico y esperar un poco más. No son pocas las sesiones en las que después de todo un día de espera, aparece nuestro sujeto con las últimas luces del día, dejándose fotografiar, dando sentido a todo esto. Es entonces cuando las pulsaciones te suben a mil, el frió o el calor desaparecen, se olvidan las horas de espera y el madrugón. Ahí estas tu, separado por un trozo de tela a pocos metros de un animal salvaje, viviendo algo que sólo estás viviendo tú, que has oído contar pero que ahora te toca a ti contarlo porque lo estás viviendo y que mejor manera de contarlo que con las fotografías que has conseguido con tanto esfuerzo y tanta preparación. ¡felicidades!


Texto y fotos: Antonio Liebana Navarro
www.antonioliebana.es
 ]]> Fotografía de Naturaleza http://www.canonistas.com/foros/blogs/fotografia-de-naturaleza/726-tecnicas-de-camuflaje.html Como fabricarse un hide acuatico http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/725-fabricarse-hide-acuatico.html Wed, 19 Oct 2011 15:36:00 GMT Imagen: http://www.miradanatural.es/imagenes/editor/Revista/hideacuatico/revista1.jpg Los métodos de ocultación para la obtención de fotografías son... Los métodos de ocultación para la obtención de fotografías son muy variados, al igual que los entornos elegidos y las pretensiones del fotógrafo al plasmar la vida salvaje.
Siempre hay que adecuarse a la orografía del terreno con el fin de conseguir un acercamiento mayor, ya que queda demostrado que la fotografía de naturaleza es más que una cuestión de grandes focales, es cuestión de metros entre la cámara y el sujeto.

En este caso se planificó una semana de trabajo en una zona de marismas con el fin de probar este método que, aunque se lleva empleando desde hace bastantes años fuera de nuestras fronteras, es en estos últimos años cuando mayor acogida está teniendo entre los fotógrafos

Antes de nada debemos de elaborar un diseño previo del hide acuático, teniendo como parte principal y corazón del diseño la plataforma de flotabilidad donde albergaremos el equipo fotográfico. Debemos de evaluar el presupuesto que dispongamos y la durabilidad que deseamos que tenga el hide, ya que en función de nuestras necesidades elegiremos uno u otro material como principal en la construcción del hide.





Para la base podemos elegir varias opciones, una estructura de madera con un relleno de porexpan expandido, una cámara de rueda de camión, unos tubos de pvc cerrados herméticamente por los extremos o el que nos decantemos en un momento determinado dependiendo siempre de las necesidades de cada uno.

En nuestro caso optamos por unas planchas de porexpan con unas maderas en su cubierta superior, elegimos este método por la rapidez de fabricación, almacenaje y transporte y porque trabajaríamos durante una semana seguida con ellos y no nos preocupaba demasiado su durabilidad a largo plazo, quizás más movidos por las ganas de empezar a fotografiar que por otro motivo.











Para la cubierta del hide acuático utilizamos unos tubos de electricidad colocados en cruz a modo de estructura para ubicar la cobertura que al final fue de una rejilla mimetizada y una red de camuflaje, ya que con la tela convencional nos dimos cuenta que se producía un efecto vela y dificultaba con creces el movimiento.

Lo que más nos preocupaba, a parte de su flotabilidad, era el modo de sujeción del equipo a la plataforma, para ello utilizamos una planchas de madera que a parte de unir las secciones de porexpan, constituirían una base para atornillar la rótula y el acople, garantizando su sujeción y la seguridad del equipo.

Ahora sólo queda hacer pruebas de flotabilidad y trabajar en un medio hostil para nuestro equipo fotográfico.







ESTUDIANDO LA ZONA, CUBRE, FONDOS, TEMPERATURA…

Antes de empezar con sesiones en zonas inundadas es conveniente examinar previamente la zona donde trabajaremos, ya que si bien en zonas no encontraremos ningún problema, por desgracia gran parte de nuestros pantanos y ríos pueden albergar en su fondo basura o residuos cortantes y debemos de ser conscientes que en zonas que cubra poco trabajaremos literalmente tumbados o de rodillas y podemos llevarnos desagradables sorpresas, por eso realizaremos un estudio previo de la zona. Es muy aconsejable hacerse con unos escarpines rígidos y un traje de neopreno para aislarse de la pérdida de calor y poder pisar el fondo con garantías de seguridad.



MIEDOS INICIALES Y PUNTO DE VISTA

Superados los miedos iniciales de trabajar en un medio que puede llegar a dañar el equipo, pronto nos daremos cuenta de las posibilidades fotográficas que tiene esta técnica, ya que permite un acercamiento mucho mayor a gran número de especies. Ésto es debido a la disminución de volumen y silueta de nuestro hide, así la avifauna interpreta que se trata de una masa vegetal en el agua, facilitando en gran medida nuestra labor y trabajando a ras de agua. Obtendremos un punto de vista excepcional, asegurando unos fondos homogéneos, aunque en superficies muy grandes de agua será imposible que con un punto tan bajo el horizonte desenfocado se nos cuele en las imágenes.



MOVILIDAD O ESPERA. TÉCNICAS DE ACERCAMIENTO. CIMBELES.

Debemos de conocer y estudiar a las especies que pretendemos fotografiar en el agua, ya que cada una tiene una tolerancia diferente al hide, con ello debemos de aplicar una u otra técnica de acercamiento. A priori, podemos llegar a pensar que la movilidad que nos brinda el hide acuático es la panacea y que podemos campar a nuestras anchas por el agua en busca de las diferentes especies pero quizás el modo más efectivo es el de intercalar la movilidad del hide con las esperas en determinados lugares del agua, por ejemplo, si nuestra intención es fotografiar limícolas, nos apostaremos próximos a una orilla con playa, muy propicia para ellos, en un lugar de luz favorable y en lugares donde previamente hayamos observado la actividad de las aves en el agua. También puede llegar a ser efectivo el recechar poco a poco a las especies pero con un índice menor de éxito, ya que hay especies como los flamencos, espátulas, garzas y anátidas que cuando mejores fotos obtuvimos fue cuando ellas se acercaron al hide mientras fotografiábamos otra especie y no cuando las recechábamos.



FABRICANDO EL ACUÁTICO

Después de un estudio previo, decidimos utilizar como material base tres planchas de porexpan que unidas ente si con precinto hacen forma de U. Fortaleciendo esta unión ente las planchas se colocó de manera independiente una tabla central de madera donde se atornillará la rótula y dos auxiliares a los lados que nos darán la robustez necesaria para navegar y arrastrarnos por el lodo sin que se rompa el hide por su utilización. Para conseguir una bóveda para meternos en el interior, utilizamos unos tubos de electricidad colocados desde los externos como estructura de la bóveda y redes miméticas como material de cubrición. Finalmente utilizamos un soporte de Manfrotto atornillado sobre la tabla de madera, aguantando éste el equipo sin problemas.

Trabajar con el hide acuático es un trabajo de desgaste y más si nos sometemos a sesiones dobles de unas cinco horas con altas temperaturas, durante un periodo prolongado de una semana, en zonas parcialmente inundadas, con el agua por encima de las rodillas… se trabaja de manera más o menos cómoda al estar inclinado, tocando con la punta de los escarpines el fondo pero esta fatiga se acentúa mucho más cuando trabajamos en aguas poco profundas donde trabajaremos en un auténtico lodazal, con un gran trabajo para poder desplazarnos nosotros, el hide y el equipo, llenos de salpicaduras y en ocasiones de lodo por el chapoteo al reptar. También influye la incómoda postura para poder encararse a la cámara y puede llegar a producirnos molestias en las lumbares y en el cuello, por ello conviene contar con una preparación física mínima, a la vez que una gran motivación para no abandonar el trabajo a las primeras de cambio. Como recordatorio, otro elemento negativo de estas zonas es la afluencia de mosquitos que sin la debida protección se convertirán en un suplicio para nosotros.







EQUIPO


Canon eos Mark III
Por su fiabilidad, robustez y su relativa tolerancia a las condiciones duras, la convierten en el mejor cuerpo para estas situaciones. La función de disparo silencioso se ha convertido en una bendición a la hora de trabajar con grandes aves como los flamencos y las espátulas. Su doble compartimiento de tarjetas que nos ha permitido afrontar cada sesión con 32 GB sin necesitad de cambiar tarjeta en el agua.

Canon 40D
Una cámara de apoyo que, a pesar de su aparente fragilidad, ha soportado bien el test. No es tan resistente como la serie 1D pero no ha dado ningún problema durante las sesiones, incluso con altas temperaturas y con humedad alta.
Sigma 120-300 mm f.2.8
Versatilidad por bandera a la vez que una calidad asombrosa con y sin multiplicador, permitiéndonos tomar escenas cerradas y abiertas desde el mismo lugar.

Tarjeta de 16 GB, CF y SD.
Proteger nuestras imágenes será vital y más con el agua como enemigo, por ello, optamos por tarjetas de gran capacidad para evitar un cambio de éstas durante la sesión cuando estemos dentro del agua, minimizando el riesgo de pérdida o daño causado por el agua.

Soporte Manfrotto
Enroscado con tornillo para madera a la plancha de madera, se ha comportado de manera muy fiable sujetando las pesadas lentes y cuerpo necesarios en estas sesiones. ]]> liebana http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/725-fabricarse-hide-acuatico.html Tecnicas de camuflage http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/724-tecnicas-de-camuflage.html Wed, 19 Oct 2011 15:28:54 GMT *El hide, todos sus secretos, como trabajar a escasos metros de la fauna salvaje* *SUMARIO* * Para fotografiar un animal del tamaño... El hide, todos sus secretos, como trabajar a escasos metros de la fauna salvaje
SUMARIO


  • Para fotografiar un animal del tamaño de una perdiz con una focal de 500 mm., el fotógrafo para conseguir llenar el encuadre con ésta, tendrá que tenerla a unos cinco metros.
  • En poco más de un metro cuadrado, pasaremos unas doce horas procurando ser lo más silencioso posible y con la atención siempre puesta en lo que sucede en el exterior.
  • Un estudiado equipamiento en función de la situación hará más llevadera nuestra estancia en el hide.
  • El silencio en el hide será uno de nuestros mejores aliados en el hide, ya que así no alertaremos a la fauna salvaje.
  • Minimizar los movimientos de la lente es una clave para tener éxito en las sesiones de hide.

En un país donde la presión cinegética provoca un miedo innato de los animales al hombre, debido a la persecución de un gran número de especies, hace que la fauna salvaje sea bastante recelosa a dejarse fotografiar.
Muchas veces, es injustamente comparada la caza de carácter cinegético con la caza fotográfica, siendo totalmente diferentes, tanto en el lance como en el desenlace final. Un ejemplo, si nuestra intención es fotografiar una perdiz, mientras que un cazador con su escopeta puede abatirla con un poco de pericia a cuarenta metros, un fotógrafo con una focal de 500 mm. para fotografiarla a fotograma completo, la tendría que tener a apenas cinco metros, ¿cómo hacemos para acercarnos tanto?
En los siguientes dos capítulos explicaremos cómo acercarnos a la fauna o como hacer que ella se acerque a nosotros, qué materiales emplearemos o cómo debemos de comportarnos en la espera. Siempre con el máximo cuidado del ambiente en el que trabajamos y con el mayor respeto hacia los sujetos que fotografiamos, todo ello, con la esperanza de ayudar a todo fotógrafo iniciado en estas lides, abriendo así una etapa de nueva proyección fotográfica.




QUÉ ES UN HIDE
Hide, escondite, blind, chozo… llamado de múltiples maneras por los fotógrafos de naturaleza, se asemeja a una tienda de campaña, generalmente mimetizada, donde se realizan esperas. Tiene que estar colocado en un lugar estratégico y el fotógrafo introducido en él, camuflando así al fotógrafo y a su equipo, y permitiendo que la fauna sea menos recelosa al pasar por allí o al acudir a comer, bañarse etc..., pasando el fotógrafo desapercibido, en parte, para así llevar a cabo nuestro cometido, el fotografiar a la especie deseada.


EL HIDE Y SUS VARIACIONES
 Hay tantas clases de hides como situaciones podamos plantearnos y podamos imaginar, por lo que mencionaremos las clases más frecuentes a modo de orientación:
Hide convencional: de todas las disciplinas fotográficas en la naturaleza, y más concretamente en la de fauna salvaje, el equipo anexo al material fotográfico, adquiere una vital importancia y no debemos escatimar en éste, pues quizás, el hide sea tan importante como la cámara, el objetivo y el trípode.
De todos los tipos de hide, es el más utilizado para la mayoría de situaciones y es básicamente una tienda de campaña mimetizada.
Existen varias casas comerciales que los distribuyen en una gama de precios que oscila entre los 80 y los 400 euros. Éstos varían en función de los materiales y no debemos fiarnos de comprar un hide sólo por su precio atractivo, si no que debemos ser conscientes de nuestras necesidades y fijarnos en los materiales empleados para su construcción. De nada nos valdría comprar un hide que sea ligero y construido de un material liviano, si luego lo necesitamos para montar en una zona ventosa, no haría otra cosa que ahuyentar a nuestros motivos con las ráfagas de viento haciendo silbar al hide.


CÓMO HA DE SER NUESTRO HIDE
 Aunque parezca obvio, vamos a repasar qué propiedades ha de tener un hide a fin de ser eficaz en el medio.
Lo primero y fundamental, es aconsejable que sea de un color discreto con el medio, no necesariamente ha de ser un color mimetizado, quizás, con un verde oliva nos es suficiente y nos va a resultar muy adecuado si luego pretendemos taparlo con redes o con vegetación.

Seguidamente hay que comprobar que el material del que está formado sea totalmente opaco, ya que si fuera translucido, con el sol a la espalda proyectaríamos una silueta en el interior de éste, alertando a la fauna.
Tenemos que asegurarnos que la tronera o troneras (agujero por donde asomaremos los objetivos) sea lo bastante grande para que entre nuestra lente y que podamos moverla sin que se resienta todo el hide, pudiendo alarmar una vez más al sujeto en cuestión.
Si vamos a trabajar en zonas donde las precipitaciones son frecuentes, procuraremos que sea lo más impermeable posible y que con una cantidad elevada de agua o nieve no se nos hunda el techo, ya que no hay nada más desagradable que una sesión de doce horas de hide con goteras o con un techo que rozamos con la cabeza cada vez que nos incorporemos hacia la cámara, produciendo así ruido y movimiento no deseados.
Otra opción, si pretendemos economizar, es comprar nosotros la tela adecuada y hacer un armazón con varillas metálicas, siempre procurando tener en cuenta las premisas anteriormente citadas. Comprado o casero, ambos desarrollaran la misma función y han de tener los mismos requisitos si queremos tener éxito en nuestras jornadas fotográficas.

Hay múltiples variantes del hide convencional, éstas son algunas de ellas: Hide a ras de suelo
Cuando queremos conseguir un punto de vista bajo o nuestros sujetos desarrollan su actividad en el suelo, y más si son de reducido tamaño, para evitar tomas picadas no nos queda más remedio que tumbarnos en el suelo y desde allí fotografiar.
Los mas utilizados son hides a modo de tubo, generalmente de fabricación casera a partir de una varillas de tiendas de campaña a las que le superponemos la tela en cuestión. Para estos hides es muy recomendable utilizar una esterilla o un aislante entre nuestro cuerpo y el suelo para restar humedades y hacer lo más llevadera posible la sesión, que por lo general, debido a una total incomodidad, no son demasiado largas, ya que la espalda, el cuello y los hombros suelen sufrir bastante al estar tanto tiempo en alerta y en una posición forzada.

Hide acuático
En humedales donde la movilidad constante de las especies que allí habitan y la lejanía con respecto a la orilla, hace que muchos fotógrafos utilicen un hide flotante. Así, nos acercaremos a la especie en cuestión y podremos fotografiarla en su entorno (véase recuadro).
El mayor peligro de este hide puede residir en que trabajamos en un medio especialmente hostil para el equipo fotográfico. Si decidimos trabajar con él debemos garantizar su flotabilidad y como mínimo, tanto la integridad de la cámara y del objetivo como de los anexos (tarjetas, baterías, aros de extensión, disco duro...). Para éstos, una pequeña bolsa estanca puede ahorrarnos más de un disgusto.
Evidentemente para fotografiar con un hide acuático (bautizado de mil maneras), es aconsejable estar provisto de un traje de neopreno para evitar pérdidas de calor al estar largos periodos de tiempo en el agua, además de unas aletas para facilitar una movilidad adecuada con él. Las imágenes resultantes serán, por lo general, atípicas, además de conseguir un punto de vista a ras de agua.



DÓNDE COLOCAR EL HIDE
 Ésta, probablemente, sea la pregunta más frecuentada por los fotógrafos que se inician en la fotografía de fauna salvaje, ya que una vez hecho el seguimiento de una especie y tras conseguir todo el material necesario, deciden montar en un lugar determinado y se equivocan de manera insistente, o cuando consiguen la confianza del sujeto, la luz es demasiado dura.
Debemos de tener en cuenta tres factores principales a la hora de colocarlo. El primero de todos es la orientación que debemos darle al hide. Muchos fotógrafos se colocarían sin dudar a la espalda del sol, pero cuando montamos un hide, un animal salvaje nos puede entrar a cualquier hora, ¿cómo lo montamos? ¿a la espalda del sol del amanecer o a la espalda del sol de las cuatro de la tarde?
Si hemos elegido un emplazamiento aparentemente correcto y si hacemos una sesión no demasiado larga, optaremos por colocar el hide con el sol a la espalda, pero si hemos decidido realizar una sesión de sol a sol, colocaremos el hide con una orientación intermedia entre los dos puntos (el sol del amanecer y el sol de las cuatro de la tarde), consiguiendo una luz semi-lateral tanto a primera hora, como a última hora el día, y una luz relativamente buena el resto del día.
En muchas situaciones, no basta con un hide para poder fotografiar fauna salvaje, en este número daremos unos consejos prácticos y cuestiones que se nos presentaran en futuras sesiones.



CÓMO CAMUFLAR UN HIDE
Ya hemos decidido qué tipo de hide utilizaremos y qué emplazamiento y orientación vamos a utilizar. Muchas veces, la presencia de un hide no es suficiente para ganarse la confianza de nuestro sujeto, ya que posiblemente si le está dando el sol puede ser bastante visible a decenas de metros. Para ello, reforzaremos éste con la utilización de redes miméticas diseñadas para tal fin o con vegetación colindante. A la hora de comprar las redes, nos aseguraremos que no emitan destellos y que su material sea lo más silencioso posible, ya que hay que recordar que estará fuera del hide y cualquiera de esos dos factores pueden arruinar nuestra jornada fotografica. Con respecto a la vegetación, es muy importante que si hemos decidido utilizar masa vegetal, en la medida de lo posible, cojeremos ramas caídas o de arbustos muertos. Si por la zona no nos que más remedio que utilizar masa vegetal verde, es de vital importancia que esas plantas que utilicemos no esten protegidas y que no posean algún grado de conservación, ya que si hacemos ésto, posiblemente hariamos más daño del que creemos al medio en el que habita el animal que pretendemos fotografiar.


UTILIZAR EL FLASH CON UN HIDE
 En muchas situaciones nos será inviable fotografiar con las condiciones ambientales o quizas esa luz, aun siendo suficiente, es demasiado dura y necesitaremos en ambas situaciones el apoyo de la luz artificial..Pero aquí se presenta un problema ¿dónde colocamos los flashes? dentro del hide o fuera, y si los colocamos fuera ¿de qué modo?
En el interior del hide, el espacio es de por si reducido y aunque a priori es lo lógico, es más aconsejable colocarlo en el exterior, ya que aparte de tener un cachivache menos con el que golpearnos o rozarnos en nuestra casa de un metro cuadrado, no anegaremos una de nuestras valiosas mirillas por las que observaremos el exterior.
Son muchas las opciones que tenemos para colocar los flash, podemos ponerlo en la parte superior del hide, en un trípode o encima de nuestro objetivo.
Colocarlo en la parte superior del hide, puede ser útil si nuestro sujeto es grande, ya que cubriremos un amplio rango. Pero si nuestro sujeto se encuentra a pocos metros del hide y su tamaño es reducido, al picar los flashes, es muy posible que produzca molestas sombras, además de ponerle unas 'antenas' al hide que romperán su efecto mimético.
Si lo que queremos es movilidad, no dudaremos en poner el flash en la punta del objetivo, pero seremos aun más precavidos en nuestros movimientos, ya que aumentará el volumen móvil y por tanto, la fauna puede recelar ante nuestro ingenio.
Quizás, el más recomendable sea el montar un par de flashes sobre una rama seca o una varilla clavada en el suelo, o en su defecto, un trípode. Es aconsejable utilizar como mínimo dos unidades de flash, ya que con una orientación buena podremos mitigar todo tipo de sombra y cubrir bastante rango con respecto a la parte frontal del hide. Quizás este método sea el más recomendado para iluminar bien al sujeto tanto para por poder regular la altura, como la dirección de éstos,
Cabe recordar que la utilización de iluminación artificial, requiere un periodo de adaptación por parte de los sujetos para que no recelen en absoluto de los destellos producidos por el flash.



EN EL INTERIOR DEL HIDE
EQUIPO RECOMENDABLE
El equipo variará en función de la época del año y del equipo del fotógrafo además de la especie que pretendemos fotografiar. Ésto quizás sea tan importante como el equipo fotográfico, ya que sin ellos seria bastante complicado realizar nuestra sesión.










  • Trípode: es la prolongación de nuestro equipo fotográfico, ha de ser estable y su rótula se debe de poder liberar con facilidad y apresarla de movimiento con una sola mano en el menor tiempo posible, ya que con la otra, estaremos sujetando la cámara, facilitándonos el trabajo a la hora de encararnos al sujeto.con la ropa, produzca el menor ruido posible.
  • Silla: ha de ser cómoda y resistente ya que pasaremos largos periodos de tiempo sentados. Para esperas largas es más que recomendable que posea un respaldo para que la espalda no sufra en la espera. Además debemos de asegurarnos que el tejido de la silla, al roce con la ropa, produzca el menor ruido posible.
  • Ropa de espera: ha de ser cómoda ante todo y en condiciones de bajas temperaturas que tenga un alto poder aislante, ya que a medida que pasan las horas de espera, la pérdida de calor cada vez será más notable (ver numero 132 “naturaleza bajo cero”).
  • Mochila: una vez transportado el equipo, la mochila en poco más de un metro cuadrado, se convierte en un armatoste ruidoso que siempre rozamos con las botas. Las cremalleras suenan como sirenas en el campo cuando las abrimos, por ello, es una opcion dejarla fuera del hide y esconderla en una zona próxima (un seto valdría).
  • Riñonera: si decidimos dejar fuera la mochila, una riñonera con las baterias, aros de extensión, tarjetas, multiplicadores... etc, será de gran utilidad, ya que ocupa menos que la mochila y la podemos dejar a un lado del hide sin que estorbe. También nos la podemos colocar en la cintura si el suelo está mojado o húmedo o simplemente si hemos montado en un rio.


CÓMO COMPORTARNOS EN UN HIDE
 Para la mayoria de la gente, el hide es poco más que la cámara de los horrores, un lugar donde no te puedes mover, tienes que estar siempre alerta y para colmo de males o hacer frio o hace calor. Un lugar donde no podemos hablar y encima si no tenemos al animal delante no podemos hacer fotos, ni siquiera se puede probar para medir la luz. Si debemos estar tanto tiempo metidos en el hide y no podemos hacer casi nada ¿cómo afrontaremos catorce horas de sesión?
La experiencia en estas lides y el conocimiento de la especie, nos dirá cuales son las horas en las que debemos permanecer más alerta y estar más pendientes de la aprición de nuestro sujeto. Mientras tanto, siempre que centremos nuestra atención en lo que pase ahí fuera, podemos entretenernos con algo de lectura ligera (que no nos absorba demasiado) o con cualquier otro pasatiempo que nos permita encaramarnos rápidamente hacia el equipo fotográfico y no perder una oportunizadad que quizas no volvamos a tener.

ALIMENTARSE

En las largas horas de espera, nuestro cuerpo nos demandará renovar la energía para su funcionamiento, tenemos que ser conscientes qué tipo de alimentos ingeriremos y qué cantidad. Si bebemos en exceso, nuestras ganas de orinar aumentaran y por supuesto no podemos salir del hide, por lo que un término medio, en función del clima, sería lo correcto, Una opción es la de ingerir barritas energéticas, ya que son de fácil absorción por nuestro organismo y nos aportan la energía necesaria para no pasar hambre. También es a tener en cuenta que el plástico o el papel de aluminio que envuelve nuestro alimento, al manipularlo hará bastante ruido.





EL DESGASTE Y LA MOTIVACIÓN
Al principio de la sesión fotográfica, no tenemos otra cosa en la cabeza que el de cómo fotografiaremos al animal en cuestión, pero con el paso de las horas, nuestra moral baja y empezamos a notar el cansancio, el hambre, el calor o el frÍo, y si le sumamos unas condiciones meteorológicas adversas y no hay movimiento aparente ese día, cabe la posibilidad de que nos preguntemos qué hacemos ahí en medio del monte, sentados en una silla en una tienda de campaña con la que está cayendo. Ahí es donde tenemos que tener la suficiente paciencia para aguantar ese momento crítico y esperar un poco más. No son pocas las sesiones en las que después de todo un día de espera, aparece nuestro sujeto con las últimas luces del día, dejándose fotografiar, dando sentido a todo esto. Es entonces cuando las pulsaciones te suben a mil, el frió o el calor desaparecen, se olvidan las horas de espera y el madrugón. Ahí estas tu, separado por un trozo de tela a pocos metros de un animal salvaje, viviendo algo que sólo estás viviendo tú, que has oído contar pero que ahora te toca a ti contarlo porque lo estás viviendo y que mejor manera de contarlo que con las fotografías que has conseguido con tanto esfuerzo y tanta preparación. ¡felicidades!


]]> liebana http://www.canonistas.com/foros/blogs/liebana/724-tecnicas-de-camuflage.html La Iluminación en Retrato (I) http://www.canonistas.com/foros/blogs/iluminacion/723-iluminacion-retrato-i.html Wed, 12 Oct 2011 12:58:50 GMT La diferencia fundamental entre un gran retrato y uno pasable no reside en el modelo como muchos podrían pensar… vamos que muchos piensan que con un... La diferencia fundamental entre un gran retrato y uno pasable no reside en el modelo como muchos podrían pensar… vamos que muchos piensan que con un modelo guapo o guapa la fotografía es buena seguro… pues yo no estoy de acuerdo, ya sé que es una opinión muy particular, pero a mi modo de ver en ese caso la foto será agradable a la vista, pero eso dista mucho de ser buena solo por el modelo.

Contemos o no con un o una modelo atractiva, debemos ante todo, tener claro que pretendemos expresar con el retrato y eso no es simple… y jugar con la luz en consecuencia, ya que no será lo mismo hacer un retrato para cosmética, moda, prensa o social, con carácter o simplemente una foto de carnet… y no solo es importante tener claro el destino de la fotografía, sino los medios que disponemos en cada caso, o los que deberíamos disponer si queremos hacer bien las cosas… y sobretodo que rasgos queremos acentuar u ocultar del modelo… y ahí la iluminación juega un papel fundamental (no todo es maquillaje y Photoshop).

Para empezar no pretendo hacer una tesis, ni un tratado, de lo que debe ser técnicamente un retrato o como debe ser iluminado, faltaría más, además no podría… solo dar algunos consejos que yo personalmente considero interesantes para intentar, que no siempre conseguir, retratos ajustados al destino de las fotografías, sin depender para ello del post proceso, que puede ser muy complejo o evidente y por lo tanto mi única intención siempre es obtener el mejor resultado posible con la iluminación… y como en un único articulo es complicado, por espacio, lo hare en varias entregas intentando explicar diferentes formas de ver el retrato…

Al grano… Si queremos, por lo tanto, buscar con la iluminación el resultado final, hay algunos conceptos deben estar muy claros, por ejemplo hay que tener en cuenta la iluminación que disponemos para el retrato, ya que no será lo mismo usar flashes que la luz del Sol, entre otras cosas por la obturación, porque con flash, si es la luz principal, será prácticamente imposible trepidar una fotografía, ya que el destello es muy rápido, mucho más que la obturación, algo a tener muy en cuenta si queremos retratos muy nítidos, sobretodo en planos cortos, en distancias cortas (y pensemos que si queremos buenos retratos, nítidos y con resolución, la distancia al motivo es muy importante, y por lo tanto debemos minimizarla todo lo que podamos, eso sí, sin forzar perspectivas que puedan resultar extremas)... luego tener clara qué profundidad de campo es la adecuada para el retrato en cuestión, y teniendo en cuenta que trabajamos, como decía, en distancias cortas… y por supuesto el encuadre (aunque tengamos reglas claras para el retrato, debemos jugar con el mensaje que queremos transmitir y si es preciso “romper” esas reglas si buscamos un mensaje más agresivo o diferente, en definitiva: la composición, y saber jugar con el “aire” es fundamental). Luego lo más importante, conseguir un enfoque preciso, cosa que es más difícil de lo que parece y como norma diremos que es fundamental obtener retratos con los ojos bien nítidos (enfocados), por lo menos uno de los ojos, y si solo tenemos uno por profundidad de campo (si así lo queremos), en ese caso, es recomendable que sea el más cercano (hay que pensar que si hay profundidad en la fotografía, ese ojo se vera proporcionalmente más grande, si la distancia al modelo es muy corta)… Otra cosa que debemos tener claro es como iluminar y sobre ese tema saber unos principios que nos ayudaran a obtener el resultado esperado. En primer lugar cuando hablamos de luz dura o suave, y simplificando, no es otra cosa que como se comportan las sombras…, lo explico brevemente: cuando decimos que la luz es dura (Sol directo, o Flash directo) es porque las sombras que se proyectan, en este caso en un retrato, son oscuras (por ejemplo la nariz en la mejilla se ve muy oscura, la barbilla sobre el cuello si el flash esta picado, etc…), y cuando hablamos de luz es suave (luz difusa, o filtrada) es porque las sombras son más claras, más grises… o casi inexistentes.

Pero eso no es todo, ya que la distancia a la que este la fuente de luz, cuando es un flash es muy importante, y no solo por la caída de luz que tengamos dependiendo del tamaño de la fuente (Ley Inversa), sino por cómo se comportaran las sombras por ese motivo, como principio podemos decir que cuando la distancia a la fuente de luz es mayor, las sombras que proyecta el motivo son largas y poco definidas, y cuando es menor son cortas y muy definidas (con el Sol no podemos hacer nada en cuanto a su distancia, obvio…, así que debemos adaptarnos a ella y saber antes que luz nos ofrece en cada momento del día por su ángulo, la época del año y por supuesto dependemos de la climatología)… Como ya sabemos, hay que tener en cuenta otras cosas para un buen retrato, entre esas está el ángulo en el que incide la luz del flash sobre el modelo vs la posición del fotógrafo (evidentemente) y si este está picado o contrapicado, que nos afecta muchísimo para transmitir un mensaje concreto, por ejemplo, si la luz es recta y frontal, obtenemos mucho tono (los colores se ven más vivos) y por el contrario nada de textura (imagen es plana, sin sombras). Conforme el ángulo en el que incide la luz al motivo se va desplazando hacia los lados (con respecto al fotógrafo) o hacia arriba (contrapicado) o abajo (picado), vamos teniendo cada vez más texturas (sombras), y menos tono o color… cuando hablo de textura, quiero decir que por ejemplo se proyecta la parte externa de los poros de la piel en el interior, por eso se ven, el vello es más visible y por supuesto cualquier pequeña imperfección… y pensemos que la piel no es perfecta…). Todo esto es muy obvio cuando usamos flash, pero también debemos tenerlo en cuenta cuando usamos la luz día. Y no se me olvida, cuando todo lo tenemos muy controlado, nos queda medir correctamente la luz, si no queremos hacer multitud de pruebas hasta tener la exposición correcta… cosa nada recomendable ya que rompe el ritmo de las sesiones… Bueno, de todo esto y más iremos hablando en sucesivos artículos como ya he comentado…

El flash o la luz del Sol…
La verdad es que hay muchas formas de ver este tema, están los que prefieren no usar nunca el flash y jugar con luz natural, el que prefiere hacer un mix sumando ambas (y jugar con la suma de luces), el que piensa que solo debe usarse el flash como principal y el que piensa que solo es interesante que sea como relleno… Si te has identificado con alguno de estos grupos, en exclusiva, siento decirte que te estás limitando… porque lo importante de verdad es como usar la luz que podemos crear (flash) o la que tenemos (luz día)… entre otras…, conocer las ventajas e inconvenientes que pueden llegar a ofrecer cada una y actuar en consecuencia para obtener buenos resultados… pensemos que los principios son los mismos en todos los casos y solo cambia como podemos modificar esa luz y su duración (otras cosas son mucho más fáciles de modificar hoy en día, como la temperatura de color, el tono o el contraste, así que eso debería preocuparnos menos, pero no olvidarnos de ello)… Lo que es evidente, es que si usamos flashes tendremos un control absoluto de la dirección, la intensidad y por supuesto podremos modificar la misma a nuestra conveniencia (cosa que es una ventaja más que evidente)…, de todas formas, como no descarto ninguna iluminación, en cada artículo intentare poner ejemplos de cómo podemos jugar con la luz teniendo en cuenta el objetivo final, y en este caso nos centraremos en el contraste de la luz…

Retrato de cosmética y/o belleza
En el primer ejemplo, imaginemos que queremos un retrato limpio, sin imperfecciones, lo que suele llamarse una imagen plana, ideal para cosmética y/o belleza… en este caso el flash es la solución más fácil, pero más que el flash, la posición del flash, ya que necesitamos tener la fuente de luz lo más frontal posible al motivo, justo encima del fotógrafo, o a un lado, pero muy cerca de él, para evitar las sombras, ya que no queremos ver la sombra de la nariz en la cara de la modelo. Luego tener claro el reflector que usemos en flash, buscando uno que nos ayudara a reducir todo lo posible el contraste y que por lo tanto las sombras que obtengamos sean lo más suaves posibles, evitando así con ellas “ensuciar” el rostro (por ejemplo, para hacer que los poros de la piel no proyecten sombras oscuras en su interior y que los hagan muy visibles).

Para conseguirlo usaremos un flash como decía frontal, lo más común es una ventana o softbox, pero lo más efectivo es utilizar un reflector que se llama Beauty Dish (Softlight White), que es totalmente blanco, no solo un difusor blanco como en una softbox, y además, al ser luz rebotada contra una placa frontal blanca, y luego devuelta la luz contra el cono del reflector que también es blanco, nos ayudara a restar el contraste (la transición de blanco a negro es más lenta o suave), dando sombras muy claras o casi nulas. Al Beauty Dish incluso podemos ponerle un difusor o tela traslucida para hacer las sombras aun más suaves, como si fuese una softbox. El resultado son fotografías muy suaves, con lo que son muy interesantes cuando nada más es significativo en el retrato que la piel o los ojos...


Modelo: Marta Eres
Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Profoto SoftLight White (Beauty Dish) sin difusor


Modelo: Helena Hernández
Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Generador Profoto PRO8A y una cabeza de flash Profoto ProHead con un reflector Profoto SoftLight White (Beauty Dish) sin difusor

Una solución casera seria hacer que el flash incida sobre una superficie blanca a 45 grados y colocar al modelo a 45 opuestos de la superficie (donde cae el rebote)… y nosotros ponernos en medio evitando proyectar sombras. No obtendremos el mismo resultado por las características cónicas del reflector que evita que perdamos luz por los lados, pero si una imagen con poco contraste.

Retrato de moda y/o peluquería
Pensemos que necesitamos un retrato que tenga un rostro muy plano y con poco contraste, pero tener el pelo o la ropa con textura al mismo tiempo, por ejemplo para peluquería. Este caso requiere dos fuentes de luz, que pueden ser perfectamente un flash y la luz del Sol… o bien 2 flashes… una fuente la usaremos como en el caso anterior, muy frontal y con un reflector de flash que reste contraste en la cara y otra fuente de luz para dar textura al pelo o la ropa (aparezcan sombras en esas zonas que nos darán la textura).

Para conseguirlo podemos complicarnos mucho la vida y obtener resultados muy espectaculares con 2 o más flashes, pero vamos a simplificar al máximo (no lo más complejo ofrece mejores resultados siempre)… así que usaremos para la cara lo mismo que en el caso anterior y añadiremos un reflector de luz para incrementar el contraste en el pelo o la ropa. El reflector debe ser plata, ya que así incrementara el contraste que no tenía la luz principal, acentuando la textura donde incida su reflejo, proporcionando en esas zonas sombras definidas, además nos ofrece un ratio bajo, será menos intenso el reflejo que la luz principal, con lo que no generara sombras en el rostro. Debemos colocar el reflector de luz plata en un lado del modelo orientándolo hacia el pelo o la ropa (según nos interese) y ligeramente adelantado, que aprovechara la luz sobrante del reflector de flash principal… lo que haremos es variar su ángulo de incidencia, para que caiga lateralmente sobre el modelo (para colocarlo correctamente, pensemos que la luz rebota en una superficie plana en el mismo ángulo en el que incide)… Con esta solución obtendremos texturas donde nos interese, pero tendremos un problema si no lo ponemos correctamente, y es que aparecerá en el ojo del modelo 2 puntos de luz (el flash y el reflector), así que en ese caso solo será interesante en planos de busto o medios (el ojo se ve pequeño en la fotografía), ya que en primeros planos será muy evidente ese segundo punto de luz que, seguramente, nos romperá el blanco de los ojos, obligándonos a un retoque del mismo, o bien veremos el reflejo del reflector plata en la pupila o el iris (que complica el retoque para planos cortos).

Pero como siempre en fotografía hay soluciones para todo (o casi siempre), en este caso contar con un reflector que nos ofrezca ambas cosas con una sola fuente de luz… y si existe… es del fabricante MOLA y se puede adaptar a cualquier a flashes de muchas marcas, incluso tiene soporte para flashes de zapata. Este reflector nos ofrece un resultado muy completo, dando volumen con un solo flash, jugando con la degradación dando como resultado una imagen a mi modo de ver muy realista o tridimensional... A continuación pongo unos ejemplos usando un reflector MOLA Demi, un MOLA Euro y un MOLA Mantti. El MOLA Demi tiene una medida ideal para planos cortos y de busto, el MOLA Euro para planos hasta 3/4 y el MOLA Mantti para planos completos . Esos reflectores por su diseño en ondas nos ofrecen “textura” en los lados del retrato (ya que fuerzan a la luz a incidir en diferente ángulo, a diferente distancia y diferente tamaño) y un centro de luz más suave frontal si usamos el difusor translucido, como en el primer ejemplo (además, podemos intercambiar el panel frontal que es un difusor y usar además del traslucido, uno opaco blanco para que rebote la luz como en un Beauty Dish, o uno perforado que reparte la luz al 50% entre los lados y el centro usado en los otros dos ejemplos… vamos que dependiendo de lo que necesitemos con un solo reflector de flash nos vale).


Modelo: Adriana Fernández Garcia – MUA: Tono Sanmartin (con la Colaboración de LLUM Studios e Innovafoto)
Equipo: Phase One 645DF con respaldo: Leaf Aptus-II 12 y Schneider Kreuznach 110mm f2.8
Iluminación: Generador Profoto PRO8A, una cabeza Profoto ProHead con un reflector MOLA Demi frontal y otra cabeza Profoto ProHead con un reflector Zoom con un panel de abeja del 10” y un filtro rojo contra fondo negro.


Modelo: Lena Antón
Equipo: Phase One 645DF con respaldo: Leaf Aptus-II 12 y Schneider Kreuznach 110mm f2.8
Iluminación: Profoto PRO8A y una cabeza Profoto ProHead con un reflector MOLA Euro


Modelo: Sandra Romero
Equipo: Canon EOS 1Ds Mark III – Canon EF 24-105mm f4 L IS USM
Iluminación: Profoto PRO8A y una cabeza Profoto ProHead con un reflector MOLA Euro
NOTA: Es un recorte para que se vea mejor el detalle del pelo.


Modelo: Adriana Fernández Garcia – MUA: Tono Sanmartin (con la Colaboración de LLUM Studios e Innovafoto)
Equipo: Phase One 645DF con respaldo: Leaf Aptus-II 12 y Schneider Kreuznach 110mm f2.8
Iluminación: Generador Profoto PRO8A, una cabeza Profoto ProHead con un reflector MOLA Euro frontal y otra cabeza Profoto ProHead con un reflector Zoom con un panel de abeja del 10” y un filtro rojo contra fondo blanco.

Nota: Las fotografías que aparecen como ejemplos no tienen retoques (bueno, solo curva de contraste y una ligera corrección del balance de blancos por un tema de gustos), además son sencillas, realizadas en mis Workshops de Iluminación y en sesiones TfP… La idea fundamental de estos ejemplos, es ver con más claridad las diferencias que hay con los reflectores utilizados… aunque parecen sutiles, las más evidentes se ven en los detalles de la piel (con las imágenes al 100%) y sobretodo del pelo y la ropa entre el Beauty Dish y los reflectores MOLA, al margen de notarse en las sombras, que casi desaparecen en el centro cuando usamos un reflector MOLA pese a no estar este totalmente centrado, y cuando hablo de los detalles, me refiero a que son más evidentes y las sombras, es fruto de la variación de ángulo y degradación que producen las ondas de los estos reflectores, se ven más “realistas”, menos planas… De paso aclarar que aunque la mayoría de fotografías con estos reflectores sean en medio formato, a este tamaño no se ven las diferencias de resolución que tiene dicho formato.

** Publique este artículo en el nº2 de la Revista MirrorMagazine ** MIRRORMAGAZINE ]]> Iluminación http://www.canonistas.com/foros/blogs/iluminacion/723-iluminacion-retrato-i.html Mi flujo de trabajo http://www.canonistas.com/foros/blogs/arot/711-mi-flujo-de.html Fri, 07 Oct 2011 09:37:01 GMT Al escribir el anterior post sobre la fotografía con el iPhone en el que os contaba cómo era mi forma de trabajar y publicar las fotos desde el... Al escribir el anterior post sobre la fotografía con el iPhone en el que os contaba cómo era mi forma de trabajar y publicar las fotos desde el móvil, me di cuenta de que no os he contado nada acerca de mi flujo de trabajo con las fotos que hago con mis cámaras réflex.



El proceso ha ido cambiando con el tiempo y supongo que seguirá evolucionando, pero a fecha de hoy este es el procedimiento que utilizo, usando Adobe Lightroom como software principal de gestión y revelado de imágenes:

1.- Elegir el motivo a fotografiar y el momento de hacerlo. Parece lógico pero me he dado cuenta de que uno es mucho más productivo si en el momento de ir a hacer fotos tiene una idea o un plan acerca de lo que quiere hacer; además esto nos ayudará a la hora de elegir el mejor momento y la hora del día con la mejor luz. Llevar la cámara encima "por si acaso" para hacer fotos es una opción muy válida pero incluso en estos casos conviene tener una idea de lo que nos podemos encontrar o llevar un equipo lo bastante versátil.

2.- Hacer las fotos. Seguimos con la obviedades, pero en este punto es importante ser ágil y dinámico en unas ocasiones y muy paciente en otras. Como veis, aquí son muy importantes las decisiones tomadas en el punto anterior. También debemos hacer por ir consiguiendo un bagaje técnico y artístico cada vez mejor ya que, aunque el procesado tiene su peso específico, buena parte de la calidad de las fotos que hacemos se decide en este punto. Por supuesto todas las fotos se hacen en formato RAW.



3.- Copiado y almacenado de las fotos. Si estoy en mi ciudad este paso lo hago copiando lor archivos RAW directamente a mi ordenador (un iMac; desde hace año y medio soy "maquero" cosa que agradezco no solo como fotógrafo) por medio de la importación a un catálogo de Lightroom; pero si es un viaje largo me llevo como solución intermedia de almacenamiento un netbook en el que, al igual que en el iMac, también tengo instalado una copia de Lightroom (la licencia de Adobe permite instalar el software en un segundo equipo). Por supuesto, aunque haya copiado las fotos al netbook, también las mantengo en las tarjetas de memoria (si tuviera que vaciar alguna tarjeta por necesidad, haría una segunda copia en una memoria USB).

4. - Fitrado y selección de imágenes. Desde el módulo de Biblioteca del Lightroom voy pasando las fotos una a una descartando en una primera pasada aquellas que están mal técnicamente o no tienen suficiente interés para mí. También elijo la mejor, o dos o tres las mejores de una ráfaga o serie de fotos iguales. En este paso me he dado cuenta de que uno se va volviendo más exigente con el tiempo y que el porcentaje de fotos descartadas cada vez es mayor.



5.- Revelado. Este paso es el más denso y seguramente se merezca que haga algún vídeo en el que os explique mi forma de trabajar más en detalle. A modo general os diré que suelo comenzar por enderezar o recortar la imagen si fuera necesario (cada vez menos). A continuación reviso la exposición y recupero luces altas si fuera necesario; luego el contraste y el brillo, retoco los negros y luz de relleno para terminar con el balance de blancos, claridad, intensidad y saturación de colores. Hecho esto, reviso si necesito clonar algo de la imagen o usar algún filtro o pincel. Dependiendo de la imagen puedo revisar ligeramente la curva de tonos. Si la foto la he pasado a blanco y negro o si requiere más fuerza en algún color específico toco la luminosidad de colores. El final del proceso es mejorar la definición y el enfoque en el apartado "Detalle" donde también aprovecho para tratar el ruido que haya podido aparecer en alguna imagen.

6.- Etiquetado. Cuando uno hace tantas fotos se da cuenta de que es imprescindible tenerlas bien ordenadas por colecciones y palabras clave. En Lightroom es muy sencillo y, sobre todo, rápido. Para completar esto valoro las imágenes en función a mi opinión personal con una, dos o tres estrellas (aún no creo que merezca cuatro o cinco estrellas...).



7.- Exportar a JPEG. El resultado del procesado lo exporto a JPEG con el propio Lightroom manteniendo la máxima calidad y resolución. Además añado una firma en una esquina de la foto. Mis fotos con réflex (ambas con una resolución de 15 Mpx) se quedan en un tamaño entre 5 y 10 MB, no es pequeño, pero me gusta subir las fotos a Flickr a máxima resolución (aunque esta calidad solo está disponible para mi) para saber que tengo una última posibilidad de backup en la nube.

8.- Subida a Flickr. Aunque esto también puede automatizarse desde Lightroom, prefiero hacerlo con el programa oficial de Flickr, Flickr Uploader; este me crea un nuevo set en flickr tomando además las etiquetas que hemos incluido como palabras clave. El programa se encarga de encolar la subida, por lo que solo tenemos que indicarle las fotos que queremos subir y esperar.



9.- Geolocalización en Flickr. Siempre es interesante saber en qué lugar has hecho una determinada foto. Flickr cuenta con una manera muy sencilla el la que basta que arrastremos las fotos que queremos localizar a un mapa donde rápidamente aparecen indicadas.

10.- Publicación. El fin último es, cómo no, ver y enseñar el resultado de nuestro trabajo. Para ello suelo hacer un post en mi blog y lo comento en twitter; además tengo configurado Flickr para que anuncie las nuevas fotos en mi cuenta de Facebook. También participo en varios grupos de usuarios de Flickr o en el foro Canonistas donde comparto algunas de mis fotos para recibir algunas críticas de las que siempre se aprende.



- En el caso del montaje de varias fotos en una panorámica suelo, tras revelar las fotos en Lightroom, exportarlas en formato TIFF y unirlas con el software Hugin. El resultado, en TIFF, lo vuelvo a almacenar y catalogar en Lightroom.

Como veis no es un proceso muy depurado y se basa en una sola herramienta, supongo que antes o después tendré que ponerme con Photoshop e iré empleando más opciones y posibilidades que me ofrece Adobe Lightroom con el que el aprendizaje es constante.



NOTA: post publicado en mi blog. ]]> arot http://www.canonistas.com/foros/blogs/arot/711-mi-flujo-de.html Review: correa Black Rapid RS-7 http://www.canonistas.com/foros/blogs/arot/710-review-correa-black-rapid-rs-7.html Mon, 03 Oct 2011 15:31:04 GMT Una de mis últimas adquisiciones de material fotográfico ha sido esta fantástica correa para la cámara, la Black Rapid RS-7. Se trata de una idea simple pero con una gran resultado: no es más que una correa que se cruza desde un hombro hasta la cadera opuesta donde cuelga la cámara boca abajo merced a un tornillo enroscado a la rosca para trípode y que se engancha a la correa con un mosquetón muy seguro.

Llevar la cámara cruzada colgada del hombro hace que nuestro cuello no sufra en absoluto, motivo de por sí más que suficiente para interesarse en esta correa.

La sensación inicial es ser un "fotógrafo/pistolero", no solo por la posición de la cámara junto a la cadera, sino por la rapidez que este sistema nos da a la hora de agarrar la cámara y llevárnosla a la cara para encuadrar y hacer la foto.

Otro punto interesante es que, al tener el único enganche de la correa en la parte inferior del cuerpo de la cámara, este no nos molesta a la hora de encuadrar, cosa que sí que sucede con las correas tradicionales, especialmente al encuadrar en vertical.



Una de las cosas que me preocupaban era ver si al llevar la cámara tan baja, esta iba a ser más propensa a llevarse golpes. Afortunadamente para alguien tan torpe como yo, esto no es así ya que al estar siempre a la altura de la mano esta protege bastante la cámara y, la verdad, es que al salir a hacer fotos el tiempo que dejo la cámara colgando si agarrarla con la mano es mínimo. Además tanto el tornillo como el mosquetón son muy sólidos y no se aflojan, por lo que puedo ir bastante tranquilo.

La única pega que he encontrado viene de tener ocupado el agujero del tornillo para el trípode, por lo que en principio no es muy práctico llevar esta correa si tienes pensado usar el trípode, aunque poner y quitar el tornillo lleva apenas unos segundos.

Otro pero puede ser el precio; aunque se puede encontrar en algunas tiendas en España por unos 67€, en mi caso la encargué en Amazon.co.uk donde la encontré por unos 50€ al cambio. De todas formas tan alto precio por un mecanismo relativamente sencillo creo que se puede amortizar fácilmente.

Hasta el momento uso la Black Rapid RS-7 con la 500D pero las sensaciones son mucho mejores de lo que esperaba, por lo que seguro que la usaré bastante en mis salidas y también en estudio. De todas formas estoy muy contento con mi otra correa, una Lowepro Voyager C que es la que suelo usar con la 50D. Así que ya iré viendo cuál de las dos se convierte en mi correa preferida.

NOTA: post publicado en mi blog. ]]> arot http://www.canonistas.com/foros/blogs/arot/710-review-correa-black-rapid-rs-7.html 4.- Lightroom: Atajos de teclado Generales http://www.canonistas.com/foros/blogs/vigape/720-4-lightroom-atajos-de-teclado-generales.html Fri, 30 Sep 2011 15:30:09 GMT *Atajos Generales* Tenemos atajos de teclado que facilitan la *configuración del espacio de trabajo* de una forma muy rápida (¡Ojo!, en Windows... Atajos Generales
Tenemos atajos de teclado que facilitan la configuración del espacio de trabajo de una forma muy rápida (¡Ojo!, en Windows puede haber algunas variaciones):

- Tabulador: Al pulsar el tabulador ocultaremos los paneles izquierdo y derecho, aumentando el espacio de visión de la fotografía.
- May + Tab: pulsando la tecla de mayúsculas junto con el tabulador ocultaremos/mostraremos todos los paneles de LR
- Ctrl/Cmd + May + Tab: pasa o vuelve a pantalla completa y sin paneles, lo que facilita en un momento dado ver la foto ocupando todo el monitor.
- f : pulsando la tecla f vamos pasando por los diveros modos de ver LR, a pantalla completa -> sin barra de menú --> visión normal en ventana
- F5, F6, F7 y F8: Muestra/oculta los paneles superior, inferior, izquierdo y derecho respectivamente
- L: Nos permite pasar por diversos modos de iluminación de LR, oscureciendo un poco los paneles o totalmente negro, de forma que destaque la foto.
- Ctrl/Cmd + L: Igual que L pero solo entre el modo normal y oscurecido.
- B : Añade la foto seleccionada a la colección rápida de LR
- Ctrl/Cmd + B: Pasa directamente a las fotos de la colección rápida o vuelve a la posición inicial.
- Ctrl/Cmd + May + B: Vacía la colección rápida para dejarla a punto para iniciar una nueva selección.
- 0, 1, 2, 3, 4, 5: Asigna entre 1 y 5 estrellas a la foto seleccionada. 0 retira todas las estrellas.
- Ctrl/Cmd + Z: Como en todos lados deshacer
- Ctrl/Cmd + A: Selecciona todas las fotografías
- Ctrl/Cmd + D: Deselecciona las fotografías
- Ctrl/Cmd + alt + 1: Nos lleva a Bilbioteca desde cualquier otro módulo
- Ctrl/Cmd + alt + 2: Nos lleva a revelado desde cualquier otro módulo
- Ctrl/Cmd + alt + 3: Nos lleva al módulo Proyección desde cualquier otro módulo.
- Ctrl/Cmd + alt + 4: Nos lleva al módulo Imprimir desde cualquier otro módulo.
- Ctrl/Cmd + alt + 5: Nos lleva al módulo Web desde cualquier otro módulo.
- Ctrl/Cmd + alt + flecha arriba: Nos lleva a bilbioteca


Próximamente:
5.- Lightroom: Importando fotos I ]]> vigape http://www.canonistas.com/foros/blogs/vigape/720-4-lightroom-atajos-de-teclado-generales.html